#: locale=pt ## Action ### URL LinkBehaviour_F3EDD883_C3A6_7406_41CC_80E18D0222A6.source = https://qrcode.umpratodos.com.br/projetos/japanhouse/design-museum-japan/home-ptbr WebFrame_22F9EEFF_0C1A_2293_4165_411D4444EFEA.url = https://www.google.com/maps/embed?pb=!1m18!1m12!1m3!1d204.0455262575997!2d-46.64476104070779!3d-23.572270372493566!2m3!1f0!2f39.22090516532243!3f0!3m2!1i1024!2i768!4f35!3m3!1m2!1s0x94ce599627be8759%3A0x642bd6e0c4f64e6d!2sJapan%20House%20S%C3%A3o%20Paulo!5e1!3m2!1spt-BR!2sbr!4v1619529762343!5m2!1spt-BR!2sbr WebFrame_22F9EEFF_0C1A_2293_4165_411D4444EFEA_mobile.url = https://www.google.com/maps/embed?pb=!1m18!1m12!1m3!1d204.0455262575997!2d-46.64476104070779!3d-23.572270372493566!2m3!1f0!2f39.22090516532243!3f0!3m2!1i1024!2i768!4f35!3m3!1m2!1s0x94ce599627be8759%3A0x642bd6e0c4f64e6d!2sJapan%20House%20S%C3%A3o%20Paulo!5e1!3m2!1spt-BR!2sbr!4v1619529762343!5m2!1spt-BR!2sbr LinkBehaviour_0AF660B9_45D2_0DF4_41CF_9AA7608BB0F2.source = 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リサーチをしたクリエーターは、エクスペリエンスアーキテクトの水口哲也氏。
1965年北海道生まれ。
Enhance代表、シナスタジアラボ主宰。慶應義塾大学大学院メディアデザイン 研究科（KMD）特任教授。シナスタジア（共感覚）体験の拡張をめざして創作を 続けている。
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リサーチをしたクリエーターは、グラフィックデザイナーの原研哉氏。1958年岡山県 生まれであり、
日本デザインセンター代表を務めながら、武蔵野美術大学教授である。グラフィック デザインの枠にとらわれず、展覧会のキュレーション、書籍の執筆などを通じてデザ インが持つ潜在力、一人ひとりに秘められた才能を「可視化」する活動を行う。2015 年よりジャパン・ハウス総合プロデューサーに就任し、日本文化の普及に関連するプ ロジェクトに携わっている。
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リサーチをしたクリエーターは、テキスタイルデザイナーの須藤玲子氏。茨城県 生まれで、株式会社布の代表を務めながら、東京造形大学名誉教授である。
2008年より様々なブランドやイニシアチブのテキスタイルデザインアドバイスを 手がける。日本の伝統的な染織技術から現代の先端技術を駆使し、新しいテ キスタイルづくりをおこなう。2019年にはジャパン・ハウス サンパウロにて個展 を開催。
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リサーチをしたクリエーターは、デザイナーの皆川明氏。1967年東 京都生まれであり、1995年に「minä perhonen」 の前身「minä」を設 立。手描きを主とする手作業の図案によるテキスタイルデザインを 中心に、衣服をはじめ、家具や器、店舗や宿の空間ディレクション など、日常に寄り添うデザイン活動を行っている。
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リサーチをしたクリエーターは、ファッションデザイナーの森永邦彦 氏。1980年東京生まれであり、大学在学中にバンタンデザイン研 究所に通い服づくりをはじめる。2003年ANREALAGEとして活動を 開始。2014年よりパリコレクションへ進出し、現在でもパリの舞台 で発表を続けている。2018年にはジャパン・ハウス サンパウロに て個展を開催。
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リサーチをしたクリエーターは、建築家の乾久美子氏。1969年大 阪府生まれであり、乾久美子建築設計事務所代表を務めながら、横浜国立大学都市イノベーション学府・研究院 建築都市デザイン コース(Y-GSA)の教授である。社会における「コモンズ（共有財）」をはぐくむ空間やきっかけづくりを大切にして、「小さな風景からの 学び」というリサーチの経験を生かしながら、コモンズの多様な可 能性を探っている。
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リサーチをしたクリエーターは、建築家の田根剛氏。1979年東京 生まれであり、ATTA-Atelier Tsuyoshi Tane Architectsの代表を 務め、フランス・パリを拠点に活動。場所の記憶から建築をつくる Archaeology of the Futureをコンセプトに、現在、世界各地で多数 のプロジェクトを進行中。2019年にはジャパン・ハウス サンパウ ロにて個展を開催。
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リサーチをしたクリエーターは、映像作家の辻川幸一郎氏。1972 年福岡生まれ。日常の中でふと浮かび上がる妄想や幻覚を、子供 の手遊び感覚で映像化する。MVや、CM、ショートフィルム、インス タレーションなど様々な分野にわたって国内外で活動中。
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Buchigoma e “chicote” para buchigoma
Décadas de 1960 e 1970
Material: madeira de cerejeira (pião), bambu e tecido (chicote)
Acervo do Japan Toy Museum
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Origem – A primeira roupa de esqui com modelagem tridimensional do Japão
Nos anos 1970, levando-se em consideração a proteção contra o frio e os elementos necessários ao esqui competitivo, foi produzida a primeira roupa de esqui em tecido com modelagem tridimensional do Japão. As roupas tradicionais, como o quimono, têm apenas duas dimensões, e os japoneses resistiram à concepção de uma roupa esportiva tridimensional como se fazia nos Estados Unidos e na Europa. Em uma época na qual os softwares 3D ainda não existiam, esta peça foi confeccionada com base na criatividade e nas ideias de um técnico da fabricante.
A inspiração vinda de um festival local
A inspiração do técnico veio do Festival Andon Matsuri, tradicional na cidade de Oyabe. Nos tempos do ensino fundamental, ele costumava brincar no local onde as lanternas de papel, chamadas de andon, eram confeccionadas. Assim, durante o ensino médio ele já era responsável por transformar os desenhos de outras pessoas em estruturas tridimensionais de bambu. Foi essa experiência que o levou a pensar tridimensionalmente nas confecções.
A criação das estruturas das lanternas de papel andon dialoga com o trabalho dos arquitetos e escultores.
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Uniforme para a Copa do Mundo de Rugby Union de 2019
Na Copa do Mundo de Rugby Union de 2019, realizada no Japão, a seleção do país se tornou uma das 8 melhores pela primeira vez na história. Evoluindo desde o primeiro uniforme criado pela empresa, em 1999, o novo ganhou novos elementos e soluções, contribuindo para as vitórias japonesas. O tecido misto de algodão e poliéster foi substituído pelo que leva apenas poliéster. O resultado foi um modelo mais leve, que veste bem o corpo, rasga com menos facilidade e seca rápido.
Uniformes produzidos especificamente para cada posição em campo. Design que utiliza sutilmente as padronagens japonesas.
Uma roupa que proporciona a sensação de proteção para quem a veste.
Um uniforme específico para cada posição em campo
O uniforme da seleção japonesa de rugby foi feito em três modelos diferentes, um para cada posição em campo. Os uniformes dos jogadores da linha de frente precisam ser resistentes e são feitos para se adaptarem a um tipo físico de atleta com peitoral mais forte. Os uniformes dos atletas da segunda linha e da linha de trás são adequados aos movimentos mais diversos dos jogadores que atuam tanto no ataque quanto na defesa. Para os backs, o uniforme é leve e elástico, tornando-o mais difícil de ser agarrado pelo adversário.
As tramas do tecido também são diferentes, dependendo do modelo.
O tecido estrutura o uniforme de rugby de modo tridimensional e seu formato segue o contorno dos ossos. Podemos entendê-lo como uma membrana, além de lembrar o papel japonês washi utilizado nas lanternas andon.
A padronagem tradicional japonesa do uniforme
O design que tem como tema o kabuto, capacete da armadura dos samurais, busca o efeito visual de parecer maior e mais intimidador quando visto de frente, ao mesmo tempo que dá a impressão de estar mais distante do adversário quando visto de trás.
O uniforme é decorado com diferentes padronagens japonesas auspiciosas, conhecidas como kisshō monyō: sayagata, yabane, asanoha, seikaiha, shippō, tatewaku e takedabishi.
O branco do uniforme não é apenas branco, pois é sutilmente decorado com padronagens tradicionais japonesas. O uniforme permite que os jogadores carreguem consigo suas tradições: isso também é design.
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A criadora por trás da pesquisa
Designer têxtil
Reiko Sudo
Nascida na província de Ibaraki, Sudo é presidente da NUNO e professora honorária da Tokyo Zokei University.
Desde 2008, atua como consultora de design têxtil de marcas e iniciativas como a Ryohin Keikaku (Muji), a Tsuruoka Fabric Industry Cooperative da província de Yamagata, e a As Corporation, entre outras. Compõe o comitê consultivo da Muji desde 2016 e recebeu os prêmios Mainichi Design Award, Rosco Design Prize, JID, Enku Grand Award, etc. Cria obras têxteis inovadoras, combinando diversas técnicas de tingimento e tecelagem tradicionais japonesas com tecnologias de ponta atuais. Seus trabalhos estão presentes em coleções permanentes de instituições como o Museum of Modern Art (MoMA), The Metropolitan Museum of Art, Boston Museum of Art, Los Angeles County Museum of Art, Victoria & Albert Museum e The National Museum of Modern Art Tokyo, entre outras. A Japan House São Paulo expôs seu trabalho em 2019.
Antes da produção voltada para o público geral, a alta-costura cria peças para uma pessoa ou para um grupo específico de pessoas.
O modo de pensamento da alta-costura na roupa esportiva
Quem faz parte da indústria têxtil considera Toyama como uma de suas raízes. O tecido de cânhamo que vestia os japoneses da antiguidade, produzido na região, segue como referência até hoje.
Para ser resistente aos movimentos de defesa praticados pelas "Bruxas do Oriente" (nome dado à seleção japonesa feminina de vôlei na década de 1960), o uniforme foi confeccionado com algodão de excelente qualidade. A atenção às propriedades e qualidades do material foi o que resolveu a questão.
O que é design para você?
Algo que dá forças a quem o utiliza.
Reiko Sudo
A modelagem que busca a melhor forma de absorver a sobra de tecido das costas com uma prega nos ombros é, sem dúvida, um exemplo de alta-costura.
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Criador que realizou a pesquisa
Designer　
Akira Minagawa
Nascido em Tóquio em 1967, Akira Minagawa fundou em 1995 a marca minä, predecessora da atual minä perhonen. Com foco no design têxtil e em padronagens desenhadas à mão, a marca busca trabalhar com um design que se aproxima da vida cotidiana, seja por meio de vestuário, móveis e louças, seja por meio de projetos de espaços como lojas e pousadas. Foi responsável pelo uniforme dos funcionários do Aomori Museum of Art e do 21st Century Museum of Contemporary Art, de Kanazawa, e criou diversos designs para marcas têxteis, como a dinamarquesa Kvadrat e a sueca KLIPPAN, para a marca de cerâmica italiana GINORI1735, além de ilustrações para jornais e revistas. A exposição itinerante “minä perhonen / minagawa akira TSUZUKU” segue circulando por todo o país desde 2019.
Uma textura que combina com o cotidiano japonês.
Acredito que a alegria de utilizar um objeto com gratidão nasce através desse tipo de trabalho.
O dantsū possui uma textura confortável que faz sentido no estilo de vida japonês, como o costume de andar descalço pela casa e relaxar deitado no chão.
O que é design para você?
A “chave” que traz felicidade a quem vive e a quem cria.
Akira Minagawa
Perceber que o objeto é utilizado por muito tempo muda totalmente o sentimento de quem cria. E isso inclui os sentimentos de alegria e responsabilidade.
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Criador que realizou a pesquisa
Tsuyoshi Tane
Arquiteto
Nascido em 1979, em Tóquio, Tane é fundador da ATTA, Atelier Tsuyoshi Tane Architects.
Residente em Paris, o arquiteto atua em diversos projetos pelo mundo seguindo o conceito de “Arqueologia do Futuro”, no qual a arquitetura é construída a partir das memórias do local. Seus principais trabalhos incluem os projetos do Museu Nacional da Estônia, do Hirosaki Museum of Contemporary Art (2020), do espaço expositivo para a Al Thani Collection no Hôtel de la Marine, em Paris, e do novo prédio principal do Imperial Hotel de Tóquio (abertura prevista para 2036). O arquiteto apresentou uma exposição individual na Japan House São Paulo em 2019.
A sedentarização do homem é o início do design.
Nos povoados do período Jōmon, vemos o design do fogo, da terra e da alma.
Quando se fala em design, a tendência é pensar no design moderno, do século XX.
Mas o nascimento do design data do período Jōmon, há 10 mil anos, quando grupos de pessoas se estabeleceram em um único lugar, iniciando um modo de vida sedentário.
As pessoas nascidas nessa terra crescem, tornam-se adultas, envelhecem e morrem no mesmo local.
Elas caçam, buscam água, colhem frutos e cuidam da floresta.
Nasce um conhecimento que possibilita ao ser humano viver por longos períodos no mesmo local.
As ferramentas são transmitidas aos descendentes e, de geração em geração, o design dos povoados do período Jōmon foi concebido.
O que é design para você?
É o nascimento de diversos futuros a partir de uma necessidade.
Tsuyoshi Tane
O cotidiano e o extraordinário, os primórdios da percepção do tempo. Ao dar forma ao que era apenas sentido, essas memórias se transformaram em design.
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Criador que realizou a pesquisa
Arquiteta Kumiko Inui
Nascida em 1969 em Osaka, Kumiko Inui está à frente do escritório de arquitetura Inui Architects e é professora do curso de design urbano (Y-GSA) no Institute of Urban Innovation da Yokohama National University.
Abriu seu próprio escritório depois de trabalhar na Jun Aoki Architects. Inui valoriza os ambientes e as oportunidades que criam “bens coletivos (bens compartilhados, do inglês, commons)” e se vale da experiência acumulada em sua pesquisa intitulada “Aprendizados das Pequenas Paisagens” para encontrar as variadas oportunidades que envolvem esses bens.
Suas obras representativas são: Hibiya Kandan (Loja do Parque Hibiya), Kyoai Commons (Salão comum da Kyoai) da Kyoai Gakuen University, Escola Secundária Municipal Shigahama, Escola Primária Municipal Touni da cidade de Kamaishi, Escola Secundária Municipal Touni da cidade de Kamaishi e Centro Infantil da cidade de Kamaishi, Projeto de renovação do entorno da estação de Nobeoka – Complexo Encross da Estação da Cidade de Nobeoka, Terminal de passageiros de Miyajimaguchi, entre outras.
O cotidiano que faz bom proveito das águas de nascente
A dinâmica em criar um espaço coletivo com os objetos disponíveis.
As “Pequenas Paisagens” associadas às águas de nascentes surgem como resultado de centenas de milhares de anos de atividade vulcânica do Monte Fuji.
Design prático para que diferentes pessoas possam conviver
Imagino que, desde sempre, a topografia natural tenha sido perfeita para um porto pesqueiro. As estruturas artificiais que foram agregadas de forma cuidadosa ao formato do terreno estão conectadas suavemente com a natureza, criando um espaço rico e harmônico.
Proatividade e gentileza geram bons resultados para todos. O design prático possibilita o diálogo e a boa convivência.
A utilização eficiente do espaço observada nas proximidades das águas de Shizuoka
Nas “Pequenas Paisagens”, sentimos a sabedoria dos que a utilizam.
Design é algo que pode ser criado por qualquer pessoa.
O cotidiano que faz bom proveito das águas termais
Um lugar é rico e harmônico quando existe a relação de afeição pelos espaços uns dos outros.
No cenário envolto em vapor das termas de Atagawa, é possível sentir na pele que a Península de Izu é uma “terra em movimento”.
O que é design para você?
Design é a compilação de soluções. Soluções voltadas para que as pessoas vivam em comunidade.
Kumiko Inui
Soluções que fazem bom proveito das águas termais
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Escola Primária Municipal Touni da cidade de Kamaishi, Escola Secundária Municipal Touni da cidade de Kamaishi e Centro Infantil da cidade de Kamaishi, 2018
As escolas primária e secundária e o centro infantil danificados pelo tsunami causado pelo Grande Terremoto no Leste do Japão foram trazidos para dentro do terreno da antiga escola secundária que não foi atingida pelo desastre. O projeto visou criar um ambiente educacional que permite a colaboração entre escolas, além de fortalecer o espaço como uma base para a prevenção de desastres. Assim, tendo o espaço educacional como pilar, o projeto se tornou um símbolo da revitalização regional.
©Daiei Ano
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HIBIYA KADAN (Loja do Parque Hibiya), 2009
Floricultura localizada no extremo do Parque Hibiya. O projeto criou um espaço aberto onde é possível desfrutar da sensação de estar ao ar livre.
©Daiei Ano
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O criador por trás da pesquisa
Designer de moda
Kunihiko Morinaga
Nascido em 1980, em Tóquio, Morinaga começou a criar suas roupas enquanto frequentava o curso técnico de design da Vantan Inc, ainda durante a faculdade. Em 2003, iniciou suas atividades com a marca ANREALAGE. O nome da marca combina os termos REAL (cotidiano), UN REAL (extraordinário) e AGE (era). Depois de acumular experiência com diversos desfiles na semana de moda de Tóquio, estreou na semana de moda de Paris em 2014, onde segue atuando até hoje. Em 2020, estreou na semana da moda de Milão em uma colaboração com a marca italiana Fendi. Em 2021, foi responsável pelo uniforme oficial do Pavilhão do Japão da Expo 2020 Dubai. Apresentou uma exposição da marca ANREALAGE na Japan House São Paulo em 2018.
O solene e o informal, a vida terrena e o além, o que é visível e o que é invisível. Crio roupas que transitam entre o cotidiano e o extraordinário. Decidi ir para a ilha de Amami, pois queria conhecer a vestimenta confeccionada por aqueles que sentiam, de forma muito próxima, a presença do que era invisível aos olhos.
O traje das jovens sacerdotisas noro, conhecido como haburagin, é feito de patchwork. Tecidos com diferentes propriedades, lisos e estampados, de seda ou algodão, foram unidos e costurados.
Um coração que reza e pede para seguir vivendo na natureza que supera a compreensão humana.
Partes que poderiam ser costuradas com apenas um ponto levam dois. Apesar de singela, essa atitude tem grande significado. Nela reside uma força avassaladora que representa o sentimento de respeito aos detalhes que vão além de uma simples decoração. A expressão japonesa “Deus reside nos detalhes” faz todo sentido aqui.
Na minha carreira, sempre almejei um patchwork agressivo, que fosse além das noções de gentileza, aconchego e durabilidade da roupa. Mas o que encontrei na ilha de Amami está em uma dimensão que supera significativamente o meu conceito de patchwork.
É possível sentir o gesto de transpor, no design, o que é espiritual e invisível aos olhos. O estilo da vestimenta também é único. Indo além dos aspectos físicos, a roupa tem a função de envolver o corpo até mesmo com espíritos.
Gostaria de herdar a espiritualidade do design e o sentimento depositado em um haburagin.
Os retalhos retirados de peças de diversas pessoas são conectados e costurados. Os rituais atraem tanto seres sagrados quanto os espíritos malignos. Por isso, o design da vestimenta foi pensado para proteger o corpo das jovens cujo poder espiritual ainda era diminuto.
O que é design para você?
O design é uma ação que muda o cotidiano, enquanto a moda é um meio capaz de mudar o cotidiano.
Talvez seja possível mudar significativamente o que as pessoas valorizam, se a moda ao nosso redor se transformar.
Kunihiko Morinaga
O design das vestimentas não serve apenas para embelezar quem as veste. Nele, surge um desejo pela vida, uma oração pela sobrevivência. O design do haburagin nasce de um sentimento sublime e que é pressuposto da moda: ser confeccionado para alguém.
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O criador por trás da pesquisa
Experiences creator
Tetsuya Mizuguchi
Nascido em 1965 na província de Hokkaidō, Mizuguchi é CEO da Enhance, diretor do Synesthesia Lab, e atua como professor visitante no Departamento de Design de Mídia da Keio University.
Suas criações têm como objetivo a expansão das experiências sinestésicas, ou seja, que combinam diferentes percepções sensoriais. Seus principais trabalhos envolvem videogames que combinam imagem, som e sensações táteis, como os títulos Rez (2001), Lumines (2004) , Child of Eden (2010), Tetris Effect (2018), versão de realidade virtual expandida de Rez, e mecanismos como o Synesthesia Suit (2016), que amplia a experiência sinestésica da música para todo o corpo por meio de luzes e vibrações, e o Synesthesia X1-2.44 (2019), dispositivo de experiência sinestésica.
O design também possibilita novos usos para invenções consagradas.
O piano inteiro se transforma em um alto-falante e nasce uma experiência de som totalmente nova.
É um design de som cuja sensação ressoa por todo o corpo.
O ser humano sente felicidade ao viver em sinestesia, interagindo sinestesicamente com o mundo. Essa questão muito simples, mas fundamental, está presente no design deste piano.
O que é design para você?
Criar experiências que provoquem emoções sem precedentes.
Tetsuya Mizuguchi
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O criador por trás da pesquisa
Film maker
Koichiro Tsujikawa
Nascido em 1972, na cidade de Fukuoka, Tsujikawa transforma fantasias e devaneios que surgem no seu cotidiano em vídeos que focam gestos e brincadeiras com as mãos. Atua dentro e fora do Japão em diversas áreas, com destaque para videoclipes de artistas como Cornelius, comerciais, curtas-metragens e instalações artísticas. É famoso por criar vídeos cujos universos estimulam memórias do passado e sensações palpáveis.
O brinquedo é o primeiro tipo de design com o qual o ser humano tem contato na vida.
É o sentimento de entusiasmo que dá origem ao design.
O brinquedo é o primeiro objeto com o qual o ser humano se encanta na mais tenra idade. Ele desperta a vontade de tocar, de ver e ouvir. O brinquedo é o design que desperta os cinco sentidos humanos e seus impulsos mais primitivos.
Para mim, o pião de chicote transmite bem a estética da modelagem de um pião. Especialmente a versão japonesa conhecida como buchigoma, que tem um formato simples, mas imponente. O contraste entre a padronagem da própria casca da cerejeira e a ponta entalhada é muito bonito.
Ponto de partida do pião = dar forma ao ato de rodopiar
Quando era criança, eu costumava brincar milhares de vezes com os sakadachigoma (pião que vira de cabeça para baixo após alguns segundos girando) que tinha em casa. Depois de anos, no instante em que girei um sakadachigoma, a memória tátil dos meus dedos reviveu a sensação de forma clara.
Desde os tempos antigos, as pessoas se encantaram com as sensações de entusiasmo e transe provocadas pelo ato de rodopiar. O pião é o design desse desejo primitivo comum à humanidade.
As origens da palavra omocha (brinquedo, em japonês) são as expressões temamori (amuleto de mão), mochasobi (pegar na mão e brincar) e teasobi (brincadeira com a mão). A ideia do pião como amuleto também era forte: o ato de pegar o pião na mão tinha o sentido de preservar a saúde e afastar as doenças.
Piões que produzem sons, piões para rituais de magia
Existem diversos piões que produzem sons ao serem rodopiados. Piões como o bunbungoma, criados com o objetivo de ampliar o som do rodopiar com o auxílio de uma corda, são utilizados não só em brincadeiras, mas também como ferramentas em rituais de magia.
Existe a teoria de que a origem do pião está em frutos de árvores. Dizem que o ser humano se inspirou nos frutos rodopiando ao cair dos galhos das árvores. O pião copia um fenômeno natural e simples, o girar. Foi um momento de alegria quando o ser humano descobriu o rodopiar.
O motivo do encantamento das pessoas pelos piões não seria a experiência de sentir o ciclo da vida? O pião começa a rodopiar forte, ganha estabilidade sobre o eixo e se ergue silenciosamente até que perde o equilíbrio e finalmente cai. Trata-se da metáfora da vida.
Esse lugar é o ápice do quarto de criança. As mãos dos artesãos que criaram as formas simples, as mãos das crianças que brincaram e cuidaram de seus brinquedos, as mãos do diretor do museu que coleciona esses objetos com sentimentos puros e força de vontade. Trata-se de um espaço mágico, onde é possível sentir as lembranças que permanecem em cada brinquedo.
Um microcosmo construído pela paixão de uma pessoa
Apenas uma parte da coleção está exposta. Sob os mostruários e no sótão, estão guardadas inúmeras caixas contendo cerca de 90 mil brinquedos. O diretor Shigeyoshi Inoue é responsável pela coleção, pelo projeto de cada instalação e até pela pintura dos pilares. O próprio espaço é como uma obra de arte gigantesca.
O que é design para você?
O design é o instinto e o desejo do ser humano.
Tudo o que está à nossa volta é design.
Escolher um objeto dentre tantas opções também é design.
Desde bebê, o ser humano não consegue deixar de escolher cores e formas de sua preferência.
Koichiro Tsujikawa
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O criador por trás da pesquisa
Kenya Hara
Designer gráfico
Nascido em 1958 em Okayama, Kenya Hara está à frente da Nippon Design Center, Inc. e é professor da Musashino Art University.
Sem prender-se aos limites do design gráfico, Hara trabalha para tornar visível a potencialidade do design e do talento escondido em cada um por meio da curadoria de exposições e da publicação de livros. Realizou exposições como Re-Design: The Daily Products of the 21st Century, que itinerou por várias partes do mundo e foi recebida com grande repercussão, HAPTIC, SENSEWARE e Ex-formation, com títulos que questionam valores preestabelecidos. Sua área de atuação é ampla, incluindo o cargo de diretor de arte da Muji e designer da identidade visual de diversas marcas, como Matsuya Ginza, Mori Building, Tsutaya Books, GINZA SIZ, MIKIMOTO e Yamato Transport. Atua como consultor criativo do projeto Japan House e dedica-se a difundir a cultura japonesa.
Não há elementos desnecessários.
A forma tem um propósito claro e foi refinada até não possuir nenhum elemento desnecessário.
A hélice gira e dá forma ao ar e à água como se fossem esculturas.
O que é design para você?
Design é o ato de apurar a essência e torná-la visível.
Kenya Hara
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Projeto de renovação do entorno da estação de Nobeoka, 2018
Reorganização integrada da área localizada diante da estação da Japan Railway (JR), abrangendo o Complexo Encross, a passagem de acesso livre, a rotatória Leste-Oeste, o estacionamento etc.
©Daiei Ano
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「ぶちゴマ、そこから広がるさまざまなコマ」
おもちゃは人間が最初に触れるデザイン
兵庫県・姫路市
兵庫県姫路市にある日本玩具博物館には、日本をはじめ世界160の国と地域 の玩具資料、約9万点が所蔵されている。おもちゃ（玩具）の中でも、コマは世 界中にさまざまなバリエーションが存在する。ぶちゴマは、専用のハタキを使って側面をたたきながら回すコマである。軸や芯のないミニマルな形状で、木の 枝を切り落とし、先端を削るだけというごく少ない工程で作られる。回転そのも のを形にしたような、コマの原点とも言える。
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「トランスアコースティックピアノ 匠とテクノロジーの出会い」
伝統の匠と最新のテクノロジーの出会いをデザイン
静岡県・浜松市
デジタルの音信号を振動に変換して響板に伝える電気的な装置「トランス デューサー」を搭載したピアノ。「ピアノが持つ、アコースティックな響板の響きを 生かし、楽器自体から鳴り響く音量を自在にコントロールすることができない か」という発想から開発された。ピアノをスピーカーのように使い、その心臓部 である響板全体を響かせることで、音を耳だけで聴くのではなく、身体全体で聴 く体験を実現している。
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「ノロの装束 ハブラギン」
着る人を守る意思が生んだデザイン
鹿児島県・奄美大島
鹿児島県奄美大島には、神々に祈りを捧げ集落の幸せを願 う公的な女性司祭・ノロ（祝女）の文化の痕跡が、500年以上 経った今も残されている。そのノロの祭祀に、12、13歳の少女 が初めて参加する際に着たと考えられている服が「ハブラギ ン」である。ハブラ（ハベラ）は、奄美の言葉で蝶や蛾を意味 し、それは浮遊している人間の霊魂を意味すると言いわれて いる。「ハブラギン」は、三角形のパッチワークでつくられてお り、この三角形は蝶や蛾の現れ、つまり霊力をまとうことで着 ている者を守護すると考えられてきた。
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「プロペラ」
合理性が生む 揺るぎないかたち
岡山県・倉敷市
岡山県には、世界トップのシェアをもつ船舶用スクリュープロペラ（推進機 器）メーカーがある。工場が位置する玉島は、瀬戸内海の海上交通の要衝 のすぐ近く。職人の卓越した技術と最新鋭のテクノロジーを駆使したものづ くりが行われている。
現物の場合、製造工程には高い精度が求められる。鋳型から型抜きされた あと、機械で表面を研磨、さらに職人の手で100分の１ミリ単位まで微調整される。「船の動力」としての機能だけを追求した合理的な造形である。原氏 は、機能を極め尽くしたこの形に「美しさ」という言葉では置き換えられない 〈ものづくりの感動〉を感じている。
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「小さな風景」
無名の工夫の集積にデザインを見る
静岡県・富士宮市・伊豆市
「小さな風景」とは、建築家の乾久美子氏のリサーチプロジェクト。人々が大切にしている公共的 な場所や習慣など、「普通に生活している人が工夫の積み重ねで作っている風景」を見つけ、写 真に収めている。リサーチの対象となるのは、ありふれた風景をかたちづくるものたち。何気なく 置かれているゴミ箱の配置にセンスを感じたり、組み合わされた色や素材の偶然のバランスに惹 かれることがあったりする。気取らない地域の温かみや地元愛が「共有財（コモンズ）」となり、み んなで守り合うことで日常のかけがえのない場所が「生きられた場所」となっていく。今回は、静岡 県に位置する湧水にまつわる「小さな風景」のリサーチに関する内容が発表されている。
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「山形緞通」
「雪国のくらし」を支えるデザイン
山形県・山辺町
山形緞通は、山形県の小さな町、山辺町で1935年から製造が始まっ た羊毛の絨毯（じゅうたん）である。きっかけは、当時東北を襲った冷 害凶作による大不況。地域の再生・振興策として、中国から緞通技術 者を招聘して製造が始まった。つまり、地元の人々の暮らしを豊かに することを願って行われた、産業創成。靴を脱ぐ日本の生活様式に合 わせた、素足で使って心地よい独自の緞通が生み出されてきた。
1965年からは、機械と人の手を合わせた新技術の緞通づくりを導入 する一方で、手織りによる製造を守り続けている。
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「縄文のムラのデザイン」
１万年前の住空間にもデザインがあった
岩手県・一戸町
岩手県二戸郡一戸町にある国史跡御所野遺跡は、1989年に調査が始まり、全国で初めて縄文時代の土屋根の竪穴建物（地面を掘り下げて床面を構築 する建物）が確認された。
「デザイン」というと私たちは20世紀の近代デザインを考えがち。しかし縄文 時代（１万年前）に、人が集まり定住を始めたムラの暮らしから「デザイン」は 生まれていた。移住から定住に生活が変わる中で、土や火などをモノにカタ チに変えてゆくデザインが生まれた。御所野遺跡は「北海道・北東北の縄文 遺跡群」の4道県に点在する17遺跡の構成資産の一つとして、2021年7月に 世界遺産に登録された。
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「３Dスポーツウェア」
世界最先端の発想源は富山の「あんどん祭」
富山県・小矢部
1951年に富山県小矢部でスタートしたスポーツウエア製造企業。1964年東京 オリンピック女子バレーボール金メダルの「東洋の魔女」を支えたユニフォーム を作成し、有名になった。ラグビーワールドカップ2019日本大会には、日本代表 のユニフォームの作成を手掛け、ポジションに応じ３つの形を作った。「フロントロー」用は、当たり負けしない耐久性を持ち、胸の部分が盛り上がった選手の 体型に合わせたもの。「セカンドロー・バックロー」用は、攻守共に多彩な動きに 対応できるように。「バックス」用は、軽くて伸縮性に富み、相手につかまれにくくなっている。そして、ポジションごとに、生地の編み方も変えている。
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『DESIGN MUSEUM JAPAN:日本のデザインを探る』展
この展覧会には、日本の各地から集めた〈デザインの宝物〉が並んでいます。
サンパウロのみなさんの目には「日本からきた珍しいもの」に映ると思いますが、どれも日本の日常生活の中にあるものです。いろいろな分野で日本を代表するクリエーター８人が、さまざまな地域を訪ねて見つけてきました。この展覧会では、彼らが掘り起こした豊かな物語もあわせてご紹介します。
日本は〈デザインの国〉と呼ばれます。古くは１万年以上前、縄文時代と呼ばれた時代からずっと、独自の生活文化を育んできました。
しかし、そういう国でありながら、いま日本には「日本のデザイン」を語る「デザインミュージアム」がありません。わたしたちは遠くない将来に日本に「デザインミュージアム」を創ることを目指して、どういうミュージアムがよいのか模索を続けてきました。この展覧会は、「デザインミュージアム」の姿を示す、ひとつの答え。こうして、時代を超えた〈デザインの宝物〉を日本各地から集め、各地域の所蔵館をネットワークでつなぎながら未来へと広がる「デザインミュージアム」こそ、理想の姿ではないかと考えています。
東北・岩手の地で１万年前に定住を始めた人々が創り出したムラのかたち。
冬には雪深い北国・山形の暮らしを支えたカーペット緞通。
北陸・富山の人口３万人の地方都市にありながら世界最先端のスポーツウエア。
富士山のふもと、静岡の水辺の暮らしの中にある様々な工夫。
匠の技と最先端のテクノロジーを組み合わせたピアノが生む斬新な音体験。
人間が人生で最初に出会うデザイン＝おもちゃ。その代表、世界中で愛されるコマ。
穏やかな内海を抱く岡山で作られるプロペラのシンプルな美しさ。
南国・奄美で着る人を守ろうという意思のもとにつくられたパッチワーク。
近代的なもの、伝統的なもの、意図されたもの、自然に生まれたもの。それぞれの人が、気づかぬうちに触れている可能性がある身の回りの〈デザインの宝物〉を探しはじめるとしたら、毎日は喜びと驚きに満ちたものに変わるのではないでしょうか？
さあ、みなさんも一緒に〈デザインの宝物〉探しの旅にでかけましょう。
ここサンパウロにも、きっとたくさんあるはずです。
NHK
NHK PROMOTIONS INC.
NHK EDUCATIONAL CORP.
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国際博物館会議のブラジル委員会(ICOM-Brasil)の定義によると、博物館は「教育、研究と歓喜を目的として、人類とその周囲の有形・無形の遺産を取得、保存、研究、伝達および展示し、社会とその発展に奉仕する非営利目的で一般公開されている恒久的な機関」である。
日本には日本のデザインを専門に扱う博物館が存在しないという事実を契機に、日本の創造性を調査、発見、目録を作成、そして何よりもバーチャル博物館のようにそれを強調表示する念願でデザインミュージアム ジャパン (DMJ) プロジェクトが生まれた。
この場合のバーチャルはオンラインではないが、巡回的な性質と物理的な拠点を持たない考え方に従う。常に構築中であるDMJのレパートリーは、ますます包括的なものとなることが求められ、その組み合わせは異なる場所と期間で公開される。
日本のクリエーターは、47の都道府県の1つの、それぞれの認識によって際立つ側面を選択するように誘われる。一般の人々に知られ、デザインのステータスで認識されるように、自分たちの選択を詳細に調査して紹介することになる。
博物館の機能のもうひとつの重要な特徴である、アクセスの拡大、すなわち民主化が、ここでも適用される。さらに、これらのクリエーターは、日常生活の中でデザインに囲まれているという事実に対する一般の人々の認識を強化するものである。その見方を育成し、その認識を奨励することは、DMJプロジェクトの目的の一環である。
ジャパン・ハウス サンパウロでの展示会では、非常に多様なテーマとアプローチで8都道府県を訪れる8名のクリエーターを紹介する。そのうちの4名は、以前に当館で紹介したことがあり、来館者にはすでに知られている。
これらリサーチの展示方法そのものも、壊れやすい作品の梱包と輸送に使われる箱や資材を選択したことで、その巡回的な性質を強調し、移動中であることを明らかにする。
今回参加している一人のクリエーターの研究ラインを思い起こさせる宝探しや発掘調査のように、来館者は古代の技術と非凡な美学に驚かされ、私たちの日常的なデザインを認識する練習をこなし、日本とブラジルの両文化間の接点を特定するように誘われる。
ナターシャ・バルザーギ・ジーネン（Natasha Barzaghi Geenen）
ジャパン・ハウス サンパウロ企画局長
#DMJnaJSP
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Buchigoma and the Spinning Top’s Evolution
Toys: human beings’ first contact with design
Himeji, Hyōgo prefecture
The Japan Toy Museum in Himeji, Hyōgo prefecture, has a vast documentary collection and about 90,000 toys from 160 different countries and regions, most notably Japan. The spinning top is one of the toys with the most variations around the world. The buchigoma, also known as the “whip top,” spins when hit on the side with a kind of whip. Its shape is minimalist, with no axle or point, and the top is made through a simple process of cutting a tree branch and carving the tip. We can consider it the origin of spinning tops, as it is what associated them with the act of spinning.
The creator behind the research is filmmaker Koichiro Tsujikawa. Born in Fukuoka in 1972, Tsujikawa transforms fantasies and daydreams that arise in his everyday life into videos that focus on gestures and hand play. He works in and outside Japan in several areas, with an emphasis on music videos, commercials, short films, and art installations.
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TransAcoustic Piano
A meeting between craftsmanship and technology
Hamamatsu, Shizuoka prefecture
This is a piano equipped with transducers, electrical devices that convert the digital audio signal into vibrations and convey them to the soundboard. The technology was born from the idea of controlling the volume coming from the instrument itself by taking advantage of the resonance mechanism of the soundboard already present in the acoustic piano. Thus, the piano is used as a speaker: by resonating the soundboard, which is the heart of the piano, it is possible to provide the synesthetic experience of listening not only with the ears but with the whole body.
The creator behind this research is the experiences creator Tetsuya Mizuguchi. Born in Hokkaidō in 1965, Mizuguchi is CEO of Enhance, director of Synesthesia Lab, and serves as a visiting professor in the Department of Media Design at Keio University. His creations aim to expand synesthetic experiences, that is, experiences that combine different sensory perceptions.
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“Propeller”
The unwavering shape created by logic
Kurashiki, Okayama Prefecture
In the Okayama prefecture, a factory produces ship propellers that require high precision: after demolding, the surface is machined and fine-tuned to the nearest one-hundredth of a millimeter by an expert. In this shape that represents the extreme functionality, Hara feels the “thrill of creation,” which cannot be defined simply by the word “beauty.”
The ship propeller manufacturer, with the largest share of the world market, is located in Okayama prefecture. In Tamashima, the factory is close to the strategic maritime traffic point of the Seto Inland Sea. The manufacturer is dedicated to the production of propellers that combine the technical excellence of craftsmen with state-of-the-art technology.
The process of manufacturing the original size part requires high precision: after demolding, the propeller’s surface is machined and fine-tuned to the nearest one-hundredth of a millimeter by the hands of an expert. It is a logical shape that aims solely at the ship’s motive power function.
In this shape that represents the extreme functionality, Hara feels the “thrill of creation” which cannot be defined simply by the word “beauty.”
The creator behind the research is graphic designer Kenya Hara. Born in Okayama in 1958, Kenya Hara is the head of Nippon Design Center, Inc., and is a professor at Musashino Art University. Not bound by the boundaries of graphic design, Hara works to make visible the potentiality of design and the hidden talent in everyone by curating exhibitions and publishing books. He serves as a creative consultant for the Japan House project and is dedicated to spreading Japanese culture.
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