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## Tour
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tour.name = Japonesia | Naoki Ishikawa
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DropDown_0561BA16_3AA3_A1D2_41C7_FDA0B6E9EE29.label = パノラマ写真一覧
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HTMLText_64B703F4_0E09_C4C5_41AA_AABEA5FD022B.html = Caminhos
Em 2018, apresentamos na Japan House São Paulo a primeira mostra da série dedicada ao conjunto de práticas que compõem o conceito de Dō – termo que significa “caminho” –, que enaltece a busca por elevação espiritual a partir de manifestações artísticas e outras formas de expressão. DŌ: a caminho da virtude apresentava, com fotos e demonstrações ao vivo, artes marciais japonesas que fazem parte do Budō.
Em 2019, foi a vez de DŌ: a caminho da serenidade focar no Kadō, a arte dos arranjos florais. Finalmente, em 2021, inauguramos DŌ: o caminho de Shoko Kanazawa, dedicada ao Shodō, a arte da caligrafia.
Todas essas disciplinas aliam tradição e contemporaneidade, combinação tão presente na cultura japonesa e tão valorizada na programação da JHSP, além de destacarem a importância da disciplina, do rigor, da persistência e da dedicação física e mental para o seu desenvolvimento.
A combinação da tinta sumi com o pincel utilizado na escrita de ideograma (kanji) é chamada de Shodō, “o caminho (dō) da escrita (sho)”.
A caligrafia foi introduzida no Japão por volta do ano 600 d.C. e era parte da educação de famílias de elite, além de ser permeada de refinamento e rituais. É entendida como forma de expressar a individualidade de quem a exerce e se apoia muito nas habilidades criativas de cada artista. Todos os elementos presentes em uma obra de Shodō são importantes, inclusive linhas acidentais, respingos de tintas e espaços em branco.
Na mostra aqui presente, a escolha de Shoko Kanazawa como uma das expoentes do Shodō contemporâneo foi feita para enfatizar a força e a sutileza simultâneas dessa artista, que com síndrome de Down se apoiou muito no Shodō como forma de se expressar e fazer ouvir a sua voz. Kanazawa movimenta-se por inteiro, numa performance corporal intensa e minuciosa. Suas escolhas poéticas para as mensagens que pretende transmitir demonstram sua singular sensibilidade e otimismo.
As obras selecionadas abordam espiritualidade, conceitos filosóficos e temas humanos universais. Talvez Kotodama, “o poder das palavras”, sintetize a força do Shodō, em tempos em que o uso descuidado das palavras tantas vezes as esvazia e seu uso consciente e correto se prova cada vez mais necessário e potente.
Todas as legendas associadas às obras são relatos da mãe de Shoko, Yasuko Kanazawa. São passagens muito pessoais e afetivas de alguém que compartilha a paixão pela arte da escrita e tem um conhecimento profundo de sua única filha e de seu caminho.
Além das obras, há também uma vitrine com algumas das ferramentas usadas para a realização do Shodō e textos escritos por Taizan Yanagida, membro de uma família que se dedica à caligrafia japonesa há gerações.
O aperfeiçoamento pessoal pode ser uma busca constante de uma vida toda. No Shodō, não basta apenas aprimorar habilidades técnicas; é essencial dedicar-se igualmente ao aspecto mental. Um belo e árduo caminho para o autoconhecimento e para a criação de uma linguagem singular e autoral, que passa pela compreensão de seu corpo e pelo apuro da sensibilidade.
Natasha Barzaghi Geenen
Diretora Cultural e Curadora da mostra
#ShodoNaJHSP
#ShokoKanazawaNaJHSP
Caminhos
Em 2018, apresentamos na Japan House São Paulo a primeira mostra da série dedicada ao conjunto de práticas que compõem o conceito de Dō – termo que significa “caminho” –, que enaltece a busca por elevação espiritual a partir de manifestações artísticas e outras formas de expressão. DŌ: a caminho da virtude apresentava, com fotos e demonstrações ao vivo, artes marciais japonesas que fazem parte do Budō.
Em 2019, foi a vez de DŌ: a caminho da serenidade focar no Kadō, a arte dos arranjos florais. Finalmente, em 2021, inauguramos DŌ: o caminho de Shoko Kanazawa, dedicada ao Shodō, a arte da caligrafia.
Todas essas disciplinas aliam tradição e contemporaneidade, combinação tão presente na cultura japonesa e tão valorizada na programação da JHSP, além de destacarem a importância da disciplina, do rigor, da persistência e da dedicação física e mental para o seu desenvolvimento.
A combinação da tinta sumi com o pincel utilizado na escrita de ideograma (kanji) é chamada de Shodō, “o caminho (dō) da escrita (sho)”.
A caligrafia foi introduzida no Japão por volta do ano 600 d.C. e era parte da educação de famílias de elite, além de ser permeada de refinamento e rituais. É entendida como forma de expressar a individualidade de quem a exerce e se apoia muito nas habilidades criativas de cada artista. Todos os elementos presentes em uma obra de Shodō são importantes, inclusive linhas acidentais, respingos de tintas e espaços em branco.
Na mostra aqui presente, a escolha de Shoko Kanazawa como uma das expoentes do Shodō contemporâneo foi feita para enfatizar a força e a sutileza simultâneas dessa artista, que com síndrome de Down se apoiou muito no Shodō como forma de se expressar e fazer ouvir a sua voz. Kanazawa movimenta-se por inteiro, numa performance corporal intensa e minuciosa. Suas escolhas poéticas para as mensagens que pretende transmitir demonstram sua singular sensibilidade e otimismo.
As obras selecionadas abordam espiritualidade, conceitos filosóficos e temas humanos universais. Talvez Kotodama, “o poder das palavras”, sintetize a força do Shodō, em tempos em que o uso descuidado das palavras tantas vezes as esvazia e seu uso consciente e correto se prova cada vez mais necessário e potente.
Todas as legendas associadas às obras são relatos da mãe de Shoko, Yasuko Kanazawa. São passagens muito pessoais e afetivas de alguém que compartilha a paixão pela arte da escrita e tem um conhecimento profundo de sua única filha e de seu caminho.
Além das obras, há também uma vitrine com algumas das ferramentas usadas para a realização do Shodō e textos escritos por Taizan Yanagida, membro de uma família que se dedica à caligrafia japonesa há gerações.
O aperfeiçoamento pessoal pode ser uma busca constante de uma vida toda. No Shodō, não basta apenas aprimorar habilidades técnicas; é essencial dedicar-se igualmente ao aspecto mental. Um belo e árduo caminho para o autoconhecimento e para a criação de uma linguagem singular e autoral, que passa pela compreensão de seu corpo e pelo apuro da sensibilidade.
Natasha Barzaghi Geenen
Diretora Cultural e Curadora da mostra
#ShodoNaJHSP
#ShokoKanazawaNaJHSP
Aji no mingei (Artesanato do Sabor)
A renovação das embalagens do okaki (biscoito de arroz) “Aji no Mingei” parte do conceito de preservar a tradição do biscoito, considerando-o um item de artesanato popular, no conceito japonês de encontrar a beleza no uso cotidiano dos produtos feitos pelas mãos dos mestres artesãos. As embalagens para cada um dos 12 tipos de okaki se baseiam em diferentes artesanatos (cerâmica, tingimento de tecido, etc.), e as estampas externas são posicionadas visando a um design impactante como um todo.
Designer: Hosokawa Design
Site: http://hosokawadesign.jp/
Classificação: Finalista
Aji no mingei (Artesanato do Sabor)
A renovação das embalagens do okaki (biscoito de arroz) “Aji no Mingei” parte do conceito de preservar a tradição do biscoito, considerando-o um item de artesanato popular, no conceito japonês de encontrar a beleza no uso cotidiano dos produtos feitos pelas mãos dos mestres artesãos. As embalagens para cada um dos 12 tipos de okaki se baseiam em diferentes artesanatos (cerâmica, tingimento de tecido, etc.), e as estampas externas são posicionadas visando a um design impactante como um todo.
Designer: Hosokawa Design
Site: http://hosokawadesign.jp/
Classificação: Finalista
オスカー・ニーマイヤー美術館（MON）での『ヤポネシア（Japonesia）』展の開催は、ジャパン・ハウス サンパウロとの友好的なパートナーシップのスタートとなる記念すべき展覧会です。
現代の日本写真界において、最も重要な写真家のひとりである石川直樹氏が撮影した心を掻き立てる作品の数々は、我々を未知なる日本への探検へといざないます。
石川氏の類い稀なる作品の最大の特徴は、フィルムを活用したアナログ撮影ということでしょう。それゆえに、現像された写真の色彩は鮮明さを増し、写真家は自然と人の営みや文化の軌跡、そしてその相互関係を明確なまで表現します。
この展覧会は、日本屈指の写真家がその繊細な眼差しで捕らえた日本を見ることができる唯一無二の機会です。世界を舞台に活躍し多数の受賞歴を持つ石川氏は、本展では日本の２０島以上の島々の選りすぐりの作品を通して、日本と海の強い繋がりを描き出します。
展覧会の名称に『ヤポネシア（Japonesia）』を冠したのも、日本が島々の集合体であることを表現した展示であることを強調しています。
MONはこの度、ジャパン・ハウス サンパウロとパートナーシップを結んだ最初の施設となりました。この展覧会を通して、国内第二位の規模を持つ、何万人もの日本人の子孫からなるパラナ州の日系社会に対しオマージュを捧げます。
オスカー・ニーマイヤー美術館館長
ジュリアナ・ヴェローゾ・アルメイダ・ヴォスニカ
石川直樹（いしかわ なおき）
1977年東京生まれ。写真家。早稲田大学第二文学部卒業、東京芸術大学大
学院美術研究科博士後期課程修了。
石川氏は、自然と人間の営みを捉えた日本の風景を積極的に記録している
。旅するアーティストとも表される石川氏は、その土地に赴く前に徹底的
にその場所をリサーチし、その土地を歩き、撮影に臨む。そして、その土
地が持つ特有かつ多様な風景や伝統、現在の様子をアナログ撮影にこだわ
り収めていくのだ。人類学、伝統儀式や伝承に強い関心を持ち、辺境から
都市まであらゆる場所を旅しながら、作品を発表し続けている。
フランス、イタリア、ドイツやカナダなどでも展覧会を行い、2008年に日
本写真協会賞新人賞、2020年には同協会の最高賞とも言われる作家賞を受
賞している。また、アジアやアメリカの展覧会でも大成功を収めており、
東京都現代美術館（東京、日本）、上海視覚芸術学院（上海、中国）、ク
リーブランドクリニック（オハイオ、アメリカ）には作品が収蔵されてい
る。
石川氏はまた作家としても広く知られており、ネパールに暮らすシェルパ
族の子供がエベレスト登山を目指す物語を描いた、「シェルパのポルパ エ
ベレストにのぼる」（2020年）などが出版されている。
一人称視点
石川直樹氏の『ヤポネシア（Japonesia）』展は、旅するアーティストとしての一人称視点で「日本」を見つめる展覧会です。それはまるで旅の日記や回想録の一部を、写真を通してたどるかのようでもあります。
本展は、初めて見る風景との出会いや、親しみのある場所を再発見する機会でもあります。例えば日本の象徴として広く知られ、被写体としてはあまりにも有名な富士山にも、その意外な姿に驚きを覚えることでしょう。この伝説の霊峰の描写を数多く鑑賞された方、あるいは実際に訪れたことがある方でも、石川氏の写真に収められた場面、その瞬間や景色を目にすることで、時間がもたらす変化の豊かさや力強さを感じることができます。そこには、人々が心で感じる時間、それぞれの体験の瞬間、さらには見る人自身のその時の心の持ちようでさえあります。
オスカー・ニーマイヤー美術館でビジュアル散策をしていただくことにより、日本という国が地理的な要因による景色の変化に加え、四季を通して壮厳な変容を繰り広げ、大胆なまでに移り変わる風景を持つ国であることを知っていただけることでしょう。
石川氏はまた、自身の冒険や探検での好奇心溢れる視点を私たちと共有してくれます。デジタル撮影が主流である昨今においても、彼はあえてアナログな撮影を好み、手作業で現像を行っています。石川氏は写真を撮るという行為そのものにおいても、また写真用紙という実体のある媒体を使うことによって、被写体との親密な関係を築いているのです。
「人間は、だれも孤島ではない」（ジョン・ダン、1624年）という有名な格言が、”ヤポネシア”のコンセプトに見事に象徴されていると思います。世界の誰もが隔離を余儀なくされている今、日本という国が群島であることを想起させた上で、歴史や伝統をパッチワークのように繋ぎ合わせるのは海であるという考えは、極めて詩的な表現です。
2020年は距離や隔離を余儀なくされましたが、同時に人との絆や関係が不可欠であることを改めて実感する「証明」の時間でもあったと言えます。
ジャパン・ハウス サンパウロは、2020年10月の再開と同時に『ヤポネシア（Japonesia）』展を公開しました。当館の最大の存在意義であり、最も大切なお客様から数か月ものあいだ離れざるを得なかった長い時間に終わりを告げた記念すべき展示でした。
この度、ジャパン・ハウス サンパウロ初の企画展巡回プロジェクトをクリチバ市の皆さまにお届けできましたこと、そして、権威あるオスカー・ニーマイヤー美術館にて開催させていただけたことは極めて意義深いことです。また、この『ヤポネシア（Japonesia）』展は、熱意をもって準備を進めた両施設スタッフの多大なる努力の結晶であることをここに記します。
『ヤポネシア（Japonesia）』展は出会いの美しさを表現し、私たちの中に新たな視点や発見することの喜びを呼び覚まします。
ジャパン・ハウス サンパウロ企画担当局長・本展示キュレーター
ナターシャ・バルザギ・ジーネン