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htmlText_505E2E41_726F_1644_41C0_52652064C00A.html = Escenas del Japón Moderno
Tokyo Skytree de 634mm de altura
高さ 634mmの東京スカイツリー
22 de mayo de 2017
Tokyo Skytree es la nueva torre de telecomunicaciones de Tokio. Se inauguró en 2012, tiene 634 metros de altura y se construyó debido a la gran densidad de rascacielos que se han levantado alrededor de la ciudad, lo que hacía imposible cubrir las ondas de recepción y envío solo con la Tokyo Tower. Fue diseñada por el estudio de ingeniería y arquitectura Nikken Sekkei, con la colaboración del arquitecto Tadao Ando y el escultor Kiichi Sumikawa; actualmente es la torre más alta del mundo. Situada en Sumida, Tokio, cerca del distrito de Asakusa, la torre mide exactamente 634 metros de altura por una razón concreta: la región donde se encuentra se llamaba Musashi en el pasado, cuya pronunciación es la misma de “seiscientos treinta y cuatro” escritos en números japoneses antiguos. También se utilizaron allí estilos arquitectónicos tradicionales japoneses, como sori (línea suavemente curvada, como una espada japonesa) y mukuri (forma ligeramente protuberante que puede verse en los pilares del Templo Hōryūji).
En la obra, el artista jugó precisamente con el tamaño de la construcción, cambiando la unidad a milímetros, por eso la recreó con 634mm. Los tornillos utilizados para representar a Skytree se relacionan con el hecho de que el distrito en el que se alza la torre es ahora conocido por su próspera industria manufacturera. En primer plano se ve un paisaje urbano que circunda el edificio, formado por enchufes japoneses llamados “tipo A”, con dos rendijas verticales y paralelas.
Escenas del Japón moderno
Ciudad Sushi
おスシティー
1 de noviembre de 2018
Desde los años 50, existe en Japón un tipo de restaurante llamado kaiten-zushi, un local que sirve “sushi en una cinta transportadora”, como su nombre lo indica en japonés. Este sistema consiste en una cinta transportadora que se extiende en toda la longitud del mostrador y las mesas del establecimiento, llevando los platos hacia los clientes, que se sirven sacando los que quieren. Ampliamente populares, estos establecimientos combinan la conveniencia, el precio accesible y la rapidez, atrayendo tanto a los clientes locales como a turistas.
Según el artista, se trata de una de sus obras más representativas: “Voy mucho a restaurantes de sushi con cinta transportadora, con mi familia y los niños compiten para saber quién comió más al contar la cantidad de platos apilados. Poco a poco, [los platos] empiezan a parecerse a grupos de edificios y, sobre la mesa, la imagen llega a parecerse a una ciudad. Las cintas transportadoras por donde se entrega el sushi son las vías rápidas". Esta obra es, por tanto, la representación de esa metrópoli. En el primer plano hay hashi desechables, puestos encima del plato como una grúa de construcción. Es decir, la persona que está más dispuesta a comer los utilizará para aumentar la torre de platos, simulando la función del automóvil. Ésta, por ejemplo, es también una alusión al hecho de que siempre hay alguna obra en construcción en alguna parte, como si compitieran por la altura de sus edificios.
Prácticas tradicionales
La práctica hace la perfección
みじん斬りを習得中
15 de septiembre de 2019
El cebollín es una verdura muy utilizada en Japón, que suele servirse sobre el tofu frío o dentro del missoshiru (la sopa de miso) añadiendo su sabor y resaltando las características de los demás elementos como condimento. La que aparece en la obra de Tatsuya Tanaka se llama cebollino aonegi o hanegi, tiene una parte verde más larga que la blanca y se cultiva principalmente en la región de Kansai, localizada en la parte centro sur de la isla principal de Japón, Honshū.
Normalmente se consume en rodajas finas, por lo que impresiona ver a personas expertas en la cocina cortándolas de forma rápida, precisa y homogénea. Así pues, esta obra reúne la imagen de la preparación del cocinero –agilidad, refinamiento y organización– con la del samurái que practicaba cortando el bambú en medio del bosque. El título en japonés, "mijingiri wo renshūchū", que literalmente significa “practicando la técnica para picar finamente los alimentos”, utiliza el ideograma de “cortar al enemigo con una espada” (斬) en lugar del ideograma comúnmente utilizado para cortar alimentos (切). Al hacer este juego con los ideogramas, el artista relacionó la idea de practicar la técnica de corte con el cuchillo de cocinero y la de practicar la técnica de la espada del samurái.
La escena representada en la obra procede del entrenamiento en iaidō, un tipo de arte marcial con espada, en el que los practicantes cortan los makiwara (palos de bambú cubiertos de paja) en diagonal y también de las historias de Musashi Miyamoto (1584-1645); un espadachín muy famoso entre los japoneses, que vivió a principios del Periodo Edo, cuya historia es objeto de varias novelas y películas–, quien solía practicar sus habilidades en el bosque.
Escenas del Japón Moderno
Metrópolis del maquillaje
メイクパレッ都
26 de enero de 2016
En esta obra, el artista utilizó diversos productos cosméticos para representar edificios. Su intención era expresar el colorido de las luces de neón y la iluminación de las calles de Tokio. En el centro, al fondo, representó con rímel la Tokyo Tower, torre de telecomunicaciones situada en la región de Minato. A su lado, el Roppongi Hills –un complejo de edificios y lugares de ocio en el centro de la capital japonesa– está representado por un lápiz labial, mientras que los aplicadores de sombra de ojos en el cielo son estrellas fugaces y la base redonda representa la luna. El artista asoció la noche en la metrópoli con el maquillaje en la canción Make-up Shadow, cantada por Yōsui Inoue, con su singular versión de una vista nocturna de Tokio.
El título de esta obra es un juego de palabras en el que se utilizó el ideograma 都 (to), que significa “metrópolis” de Tokio (Tokyo-to en japonés), para expresar la terminación to de la expresión “paleta de maquillaje” (make-up palette en inglés, pero pronunciada en japonés como meiku paretto).
Escenas del Japón Moderno
Torre de Tokio de 333mm de altura
高さ 333mmの東京タワー
17 de julio de 2018
La Torre de Tokio (Tokyo Tower) es una torre de telecomunicaciones de 333 metros de altura construida en 1958. Su diseño se inspiró en la Torre Eiffel de París (Francia) y se convirtió en un gran símbolo del auge japonés de posguerra, con especial significado para la generación que vivió el milagro económico del país en la década de 1960.
Para realizar esta obra, el artista jugó con el tamaño de la torre, ya que cambió la unidad de medida e hizo una maqueta de 333 milímetros de altura. El elemento principal elegido para la representación de la torre fue la pinza de tender la ropa. De niño, Tatsuya Tanaka solía jugar conectando muchas pinzas de la ropa para crear dinosaurios y robots, entre otros personajes, así que las utilizó como una extensión de ese antiguo juego.
Escenas del Japón Moderno
Tren bala “Tarako” de la Línea Kyushu
九州新幹線「たらこ」
31 de agosto de 2019
Esta obra fue creada para una exposición en la ciudad de Fukuoka, que tiene como una de sus especialidades el mentaiko, huevas de bacalao (tarako) conservadas en sal y pimienta roja. Por ello, la reproducción de este manjar es el elemento principal de la composición que representa el famoso tren bala o tren de alta velocidad japonés, llamado Shinkansen. La primera estación de la línea Kyushu Shinkansen es Hakata, situada justamente en Fukuoka.
La intención del artista era asociar la primera estación del tren con la idea de “punto de partida”, por lo que colocó escenas del desayuno japonés –que indica el inicio del día– alrededor del mentaiko. El edificio de la estación es un cuenco de sopa de miso y las montañas del fondo son bolas de arroz, los onigiri. También puso té verde y la grava bajo las vías está hecha de granos de arroz blanco. Además, al observar los detalles de la obra, vemos un cartel en la estación con el nombre Mentaiko, que indica que la estación anterior se llama Tsukemono (conserva de verduras) y la siguiente, Nattō (soja fermentada), es decir, nombres de acompañamientos habituales en los desayunos japoneses.
Escenas del Japón Tradicional
Esencia japonesa
日本のエッ“センス”
1 de enero de 2019
Esta obra relata la esencia de Japón (essensu, palabra proveniente del inglés essence) a través de los abanicos (sensu), objetos que son bastante comunes para refrescarse, pero que también están presentes en los rituales y se utilizan como accesorios en las danzas tradicionales japonesas. Muchos abanicos japoneses se fabrican con técnicas artesanales y por lo general, tienen delicadas pinturas con temas florales o de la naturaleza. Desde el Periodo Heian (794-1185) los abanicos se han utilizado como adorno, además de su función original.
Esta obra utiliza un abanico abierto hacia abajo, que representa el Monte Fuji, y un abanico rojo, en la parte posterior, que representa el sol. Los abanicos superpuestos en el frente aluden a las colinas, creando un paisaje típicamente japonés.
Tatsuya Tanaka presentó por primera vez esta obra un 1 de enero, considerando el tema como auspicioso (en alusión al primer amanecer del año) y deseando así que las personas tuvieran un buen año por delante. En este sentido y deseando que sigan sucediendo cosas buenas, también asoció los abanicos con la idea de “vientos favorables”.
Escenas del Japón Tradicional
Flor-balsa
花筏
30 de marzo de 2017
La palabra hanaikada (花筏), en su traducción literal, significa “flor-balsa” y es una expresión existente en la lengua japonesa. Esta se refiere a los pétalos de las flores que caen y flotan sobre la superficie del agua.
Los pétalos representados en esta obra son de la flor del cerezo o sakura, una especie muy importante para el pueblo japonés, cuya floración se produce entre los meses de marzo y abril, anunciando el inicio de la primavera y el comienzo de un nuevo año fiscal, que en el archipiélago japonés también ocurre en el mes de abril. Sin embargo, la sakura tiene un tiempo de vida bastante corto y sus pétalos desaparecen con mucha facilidad. Por ello, se ha relacionado con conceptos japoneses como wabi-sabi, que trata sobre la belleza de la imperfección y lo fugaz de la vida, así como el mujōkan, cuyo mensaje trae una reflexión sobre el cambio constante: todo, algún día, llegará a su fin.
Escenas del Japón Tradicional
La salida del sol pegada en mis retinas
貼る日の出
2018
Esta obra fue creada mientras el artista trabajaba en un libro de tarjetas postales. Él decidió hacerlos en un formato especial para que pudieran utilizarse como nengajō, las tarjetas de felicitación del Año Nuevo. Con este fin, al observar el formato de un soporte de cinta adhesiva, se acordó de la famosa obra de xilográfica ukiyo-e “La Gran Ola de Kanagawa”, de la serie “Treinta y seis vistas del Monte Fuji”, de Katsushika Hokusai. Así, relacionó inmediatamente el objeto con la ola. A partir de ahí, las ideas siguieron surgiendo: la parte que sujetaba la cinta se convertiría en el Monte Fuji y por detrás de esta saldría el sol. Al tratarse del diseño de una tarjeta de Año Nuevo, Tatsuya Tanaka incluyó símbolos de buena suerte, como grullas en pleno vuelo.
El título “haru hinode” juega con la expresión “hatsu hinode”, el primer amanecer del año, y la palabra haru, que significa “collar” en japonés. En Japón, el uso del antiguo calendario lunisolar hacía que el Año Nuevo empezara con el inicio de la primavera, por lo que la fecha se sigue llamando shinshun (nueva primavera). El título incorpora aún más esta idea, ya que haru también significa primavera.
Escenas del Japón Tradicional
Una fuente termal única
湯ニークな露天風呂
26 de junio de 2019
En Japón, los mondadientes se venden en envases cilíndricos muy llenos, y fue esa forma la que motivó al artista a crear esta obra. Él empezó utilizando el propio envase y fue moviendo los mondadientes uno a uno para dar forma a las cercas que dan privacidad a las termas japonesas al aire libre. De esta manera, construyó una escena en la que es posible ver a personas relajándose mientras se bañan.
Las fuentes termales se caracterizan por las aguas subterráneas calentadas por el calor del interior de la tierra que emergen a la superficie. En Japón, país de gran actividad volcánica, hay fuentes termales por todo el archipiélago que se denominan onsen. En todo el mundo, la práctica más común consiste en acudir a las fuentes termales en traje de baño, pero en Japón hay secciones separadas para hombres y mujeres, que se desvisten completamente para entrar en las aguas. El buen comportamiento en las fuentes termales japonesas incluye reglas como lavarse el cuerpo antes de entrar en el agua, no entrar con toalla y no nadar, entre otras. Los rotenburo, fuentes termales al aire libre, proporcionan una sensación de libertad aún mayor y son muy populares en Japón.
En el idioma japonés, esta obra también crea diferentes conexiones. Su título original adquiere un tono humorístico al sustituir la sílaba yu (ユ) en yuniiku (ユニーク), que significa “única”, por el ideograma yu (ゆ), que significa “baño”. Otra relación establecida por Tatsuya Tanaka implica la expresión “Agujero de TSUMAzukanai yōni goYŌJIn” (Tenga cuidado de no resbalarse en el área de baño) y tsumayōji, la palabra japonesa para “mondadientes”.
Escenas del Japón Tradicional
Bosque de bambúes – Crezcamos derechos, sin agacharnos
自分を曲げずにまっすぐ伸びよ
7 de julio de 2015
El bambú es una planta muy común y apreciada en Japón. Allí crecen unas 250 especies diferentes, y hay grandes superficies con estas plantas, como bosques. El Chikurin no Komichi de Arashiyama, en Kioto, es un lugar famoso por la cantidad de bambú, sobre todo el camino de 300 metros que conecta el jardín Ōkōchisansō con el Santuario de Nonomiya.
Los bambúes se utilizan con diversos fines en la cultura japonesa, desde la alimentación, consumidos como brotes (takenoko), hasta la construcción civil y de mobiliario, e incluso como elementos decorativos en festivales y rituales ceremoniales. Como siempre está verde (incluso en invierno) y es muy flexible pero muy resistente y no se rompe fácilment; el bambú llegó a considerarse una planta sagrada, símbolo de prosperidad y buena suerte. En esta obra, esta simbología se expresa en su título.
Como el bambú crece verticalmente, aquí Tatsuya Tanaka lo representó con pajitas, que suelen ser plegables. El artista eligió este tipo de pajita para expresar el deseo de que la gente viva honestamente, sin dejarse llevar ni renunciar a sus objetivos. Además, la mujer de esta miniatura mira hacia delante, aunque su vista se vea obstaculizada por el bosque. Así, la intención del artista es demostrar la actitud de mantenerse firme, aunque surjan obstáculos en el camino de la vida.
Escenas del Japón Tradicional
Japón de cuencos
ちゃわんでジャパン
18 de diciembre de 2020
Esta obra fue creada para un programa de NHK (la cadena pública de televisión japonesa) dirigido al público extranjero. Utilizando cuencos japoneses como el chawan y el donburi, el artista desarrolló un paisaje típicamente japonés. El cuenco del fondo de la escena, con la boca hacia abajo, se llama akafuji e imita al Monte Fuji teñido por la luz rojiza de las mañanas.
La composición formada por varias tapas de cuencos es la pagoda de cinco tejados (gojūnotō), una construcción sagrada presente en todos los templos budistas del país. Se trata de un lugar que venera las cenizas de Buda y que, debido a su elevada altura, sirve de punto de referencia para los habitantes de la región en donde se encuentra. Cada uno de los cinco tejados representa un plano del mundo budista: tierra, agua, fuego, viento y cielo.
Los otros cuencos marrones representan montañas o casas tradicionales con tejado de paja y las esteras de bambú de la parte delantera expresan las plantaciones. El título original japonés juega precisamente con la presencia de tantos cuencos, utilizando la rima de la palabra chawan con la pronunciación en inglés de Japan.
Escenas del Japón Tradicional
Jardín de hojas nuevas y matcha
新緑抹茶御苑
29 de septiembre de 2016
Esta obra utiliza el helado de matcha para representar las colinas cubiertas de musgo en un jardín japonés. El matcha –brote de té verde en polvo o molido– es en sí mismo un producto muy japonés, que se utiliza no sólo en las ceremonias tradicionales del té, sino también en diversos alimentos con este sabor, como bollos y otros dulces, que se están popularizando en todo el mundo. Los jardines japoneses, a su vez, son representaciones de ambientes naturales construidos a partir de una serie de reglas, elementos y conceptos de la filosofía japonesa, que proponen una experiencia inmersiva y contemplativa a quienes los visitan. El musgo está presente en muchos de estos clásicos jardines y constituye un grupo de plantas que crecen más libremente y requieren mucha humedad y poca luz. Debido a estas características, tiene un significado muy especial en este contexto, ya que representa ideas de belleza, sencillez, humildad y refinamiento, además de aludir a la estética del wabi-sabi, un concepto que habla de la transitoriedad de las cosas y de la belleza en la imperfección.
El título de la obra en japonés, “shin-ryoku-matcha-gyoen”, significa literalmente “jardín de hojas nuevas y matcha”. Hace un juego de palabras con el nombre de un parque de Tokio, el Jardín Nacional Shinjuku Gyoen, y fue elegido por el artista para transmitir la idea de que el paisaje forma parte de la estación de renovación de las hojas, shinryoku.
Al utilizar helado, Tatsuya Tanaka también recurre a las réplicas de comida, muy comunes en Japón. Llamadas shokuhin sampuru, que son, según el artista, una tecnología representativa del país y una manifestación de su espíritu, ya que, a la hora de elegir la comida en un restaurante, es más fácil entender de qué se trata mirando la foto del plato y no un menú con solo letras, sino que será aún más fácil ver el producto que simula el real, con sus texturas y componentes.
Escenas del Japón Tradicional
El regreso a casa
帰り道
7 de octubre de 2013
Esta obra fue especialmente elegida para estar en lo que parece ser el final de la exposición. Su título, no en vano, habla del regreso a casa, casi como un mensaje o deseo de que el público, que está leyendo, regrese a casa sano y salvo.
El artista cuenta que para crear esta obra pensó en cómo se podría expresar la nostalgia, y lo que le vino a la mente fue la imagen de una madre cargando a un niño en la espalda, marchándose con el atardecer. Esta escena, dice Tatsuya Tanaka, es algo común en la infancia de muchos japoneses, e incluso aquellos que no han tenido esta experiencia deben tener recuerdos cercanos, como cuando regresaban de la escuela o volvían a casa al caer la tarde. La idea de utilizar el tatami como elemento principal de la composición también está relacionada con la época de la infancia del artista, cuando jugaba con carritos en el revestimiento del piso típico de las casas tradicionales japonesas, imaginando que sus bordes eran caminos, calles o carreteras. Así podemos observar estos largos caminos que no solo emulan el recorrido, sino que también aluden a los arrozales, a sus muchos recuerdos y al deseo de volver a casa.
Escenas del Japón tradicional
Engañando a los ojos más cansados
年寄りの目をゴマかす
13 de noviembre de 2018
Con la edad, la vista de las personas experimenta cierto desgaste, lo que hace que puedan ver las cosas de manera equivocada. En esta obra, una mujer y un hombre que aparentan una edad avanzada se encuentran en un puente sobre un lago con diversos elementos. El agua es representada por la sopa de algas wakame (un plato muy popular en las comidas diarias de los japoneses) y lo que flota sobre ella son semillas de sésamo (goma), que quizá la pareja de ancianos percibe como carpas. Ellos están siendo engañados (gomakasu) por sus propios ojos.
Además de las carpas (presentes en jardines, templos y santuarios japoneses; que son portadoras de un fuerte simbolismo de persistencia y prosperidad debido a su capacidad natural para nadar contracorriente) el lago se compone de otros ingredientes que ayudan a crear la escena: el cebollín flotante se asemeja a la hoja de la flor de loto, común en los lagos japoneses, mientras que el alga que se hundió en la sopa representa la vegetación en movimiento. Los cuencos colocados bocabajo se llaman chawan y desempeñan el papel de montañas.
Esta obra se creó después de que el artista viera un programa de televisión en el que aparecía el Emperador de Japón paseando alrededor del lago de un jardín tradicional japonés.
Escenas del Japón tradicional
Ruinas del Castillo Yonago
食事のあとは城の跡
23 de abril de 2022
Esta obra fue creada con motivo de una exposición en Yonago, en la provincia de Tottori y representa las Ruinas del Castillo Yonago. Se dice que el castillo se construyó en el siglo XV y que con el paso del tiempo fue aumentando de tamaño, convirtiéndose en la mayor fortaleza de la región de San’in. Sin embargo, fue demolido en 1880, después de la Restauración Meiji, quedando de él solo partes de sus murallas de piedra.
Las ruinas son indicio de una construcción anterior y la inspiración para esta obra fue la idea de representar un “lugar donde había algo, pero ya no estaba allí". Para ello, el material elegido fue el recipiente vacío en el que se sirve el zarusoba, un plato cuyo ingrediente principal es el soba, fideos de trigo sarraceno que se sirven fríos, con caldo aparte. En la parte superior de la obra, las ruinas parecen estar cubiertas de pasto, y lo que da este efecto es precisamente la esterilla de bambú donde se sirve el manjar, que se coloca bajo el soba para expresar la vegetación. En la parte inferior se puede ver otro tipo de fideo verde, el chasoba –un tipo de soba al que se añade té verde–, para dar a entender que antes había soba en los recipientes.
El título original de esta obra puede leerse como “Después de la comida, las ruinas del castillo”. En japonés, hay un juego con la palabra ato, que significa “después” y también “ruinas”. Esta composición también tiene el sentido de indicar que para visitar el Castillo Yonago, situado en un terreno elevado, es necesario hacer una larga caminata, lo que la convierte en un buen ejercicio digestivo después de degustar el soba en los famosos restaurantes de la ciudad. El propio artista ya recorrió este camino después de deleitarse con ese plato local.
Escenas del Japón tradicional
Castillo de Nattō
お城納豆
7 de junio de 2018
Tatsuya Tanaka creó esta obra para su ciudad natal, Kumamoto. El artista eligió como esencia del lugar el Castillo de Kumamoto, una construcción que caracteriza el paisaje de la región, además de ser considerado uno de los más importantes de Japón. Su construcción comenzó en 1467, y a lo largo de los siglos ha sufrido varias reformas, modificaciones y mejoras realizadas por los soberanos que pasaron por allí. Se le conoce por su suntuoso exterior negro, sus murallas inclinadas y también por estar especialmente diseñado para dificultar y disuadir posibles ataques e invasiones. Desde 1871 pertenece al gobierno japonés.
La obra se desarrolló sobre una mesa redonda baja, utilizada tradicionalmente como mesa de comedor en Japón, en la que el artista colocó cuencos y hashi. En el centro está el castillo hecho con empaques de nattō, un alimento tradicional japonés elaborado con soja fermentada. En la composición hay un muñeco del general Kiyomasa Kato, quien dirigió la construcción del castillo. Al verla de cerca, la obra representa de hecho un castillo, pero cuando nos alejamos, el paisaje aparece como un típico desayuno japonés.
Estaciones del año y sus acontecimientos
Cambiando las vestimentas del año viejo a las del año nuevo
旧年から新年に衣替え
31 de diciembre de 2017
Esta obra representa el primer amanecer del año, llamado hatsuhinode. Es un momento muy especial en la cultura japonesa y poder contemplarlo forma parte de las celebraciones de la llegada del nuevo año. Se dice que la deidad del Año Nuevo, Toshigami, viene con el sol que sale el primer día del año, para que las personas pueden venerarlo.
La bola roja en el fondo representa el sol y las bolas blancas son montañas cubiertas de nieve. El artista eligió la lana como elemento central porque en esa fecha es invierno en Japón. Otra costumbre asociada a este periodo es el Hatsumōde, es decir, la primera visita del año a un santuario sintoísta. En algunos de estos lugares los ciervos son tratados como mensajeros de los dioses. Por eso hay una imagen de estos animales frente al santuario representada en la miniatura. Además de las costumbres asociadas con el cambio de año, la lana roja en el fondo y la figura de una pareja en primer plano fueron elegidas para indicar que el santuario representado allí es casamentero, en referencia a la leyenda japonesa en la que un hilo rojo nos une a la persona con la que pasaremos el resto de nuestra vida.
El título alude al inicio de un nuevo ciclo, pero también hace hincapié en las estaciones del año en el archipiélago japonés, que son muy marcadas. Como hay una gran variación de temperatura en cada estación, es común cambiar las vestimentas en la transición.
Estaciones del año y sus acontecimientos
El arroz es la base de la alimentación
美味しい米は食の基盤
27 de diciembre de 2018
Esta obra se creó para la provincia de Niigata, una de las regiones productoras de arroz más importantes de Japón. El cultivo del arroz, base de la alimentación japonesa, se lleva a cabo normalmente trasplantando los plantones cultivados en invernaderos a humedales. La escena elegida para componer la miniatura muestra a agricultores trabajando, pero cada vez es menos frecuente plantar arroz a mano: hoy en día, el trabajo se realiza en su mayoría con máquinas.
El artista observó la similitud entre las piezas metálicas soldadas de los circuitos impresos y los caminos en los campos de cultivo. Además, el patrón con sus colores se asemeja a una mezcla de agua y barro. Así pues, Tanaka tuvo la idea de conectar la agricultura con el mundo digital y de la información, que a primera vista parecen muy distantes. Esta relación también se trasladó al título, que hace un juego de palabras, comparando el cultivo del arroz – base (kiban) de la alimentación del archipiélago japonés – con los carteles electrónicos (denshi kiban).
Estaciones del año y sus acontecimientos
Fuegos artificiales bon-bon-boon-bon
花火ボンボンボーン盆
13 de agosto de 2016
En Japón existe la costumbre de quemar fuegos artificiales en pleno verano, con numerosos festivales dedicados a esta práctica, llamados hanabi taikai. Estas celebraciones tienen lugar sobre todo durante el Obon, un acontecimiento que se celebra en agosto para conmemorar a los antepasados, durante el cual se cree que los espíritus regresan temporalmente a este mundo para visitar a sus parientes. Durante el último día del Obon, se encienden hogueras con el fin de iluminar el camino para que los espíritus puedan regresar al paraíso sin perderse y los fuegos artificiales son su prolongación. A pesar de su profundo significado, los fuegos artificiales también se han asentado en el país como una divertida tradición veraniega.
Se trata de una obra en la que el artista utilizó flores de crisantemo para representar la explosión de fuegos artificiales que iluminan el cielo. La flor elegida, además de considerarse el sello oficial de la Familia Imperial japonesa (en color dorado y con 16 pétalos), se asocia tradicionalmente con los muertos y siempre se ofrenda a ellos. Por ello, Tanaka hace esta alusión al periodo de las celebraciones del Obon.
El título, además de referirse al periodo de culto a los antepasados, contiene la onomatopeya bon-bon, que expresa el sonido de los fuegos artificiales al explotar.
Estaciones del año y sus acontecimientos
Reservando un lugar con notas adhesivas
ふせんで場所を確保
24 de marzo de 2018
En Japón, cuando se anuncia la floración de los cerezos, la gente se reúne para contemplar estas flores. Como se trata de un momento muy esperado, los espacios se disputan y es habitual que se reserven espacios para grupos con lonas azules, incluyendo desde empleados más jóvenes que esperan a sus compañeros y jefes, hasta familiares y amigos que se reúnen para socializar. Por eso, el artista creó este escenario utilizando notas adhesivas en ese tono. Esos papeles también fueron elegidos porque, en el uso cotidiano, se pegan en la pantalla del computador o en el cuaderno, como si también estuvieran disputando sus espacios.
Las notas adhesivas de color rosa, por su parte, representan las sakura, las flores de cerezo propiamente dichas, que aparecen cortadas en círculos aludiendo a los pétalos que están tanto en los árboles como en el suelo, transmitiendo la delicadeza y lo efímero del ciclo vital de esta flor. La práctica de disfrutar y observar la floración de esta especie se conoce como hanami.
Estaciones del año y sus acontecimientos
Tsukimi
想いは“つき”ない
1 de octubre de 2020
En Japón se denomina Jūgoya a la noche de otoño en la que el aire está claro y la luna llena puede contemplarse en todo su esplendor. Comúnmente conocida también como Tsukimi (月 tsuki = luna y 見 mi = ver), se dice que esta tradición provino de China durante el periodo Nara (710- 794) y durante el periodo Heian (794- 1185) fue adoptada por la nobleza, que celebraba grandes banquetes con recitales de música y poesía dedicados a la luna. Recién fue en el periodo Edo (1603-1868) cuando ésta se convirtió en una costumbre popular y se asoció a los festivales de otoño, en que los agricultores hacían ofrendas en agradecimiento por la cosecha del año.
En el día dedicado a contemplar la luna, que siempre tiene lugar entre los meses de septiembre y octubre, las familias se reúnen para comer bollitos de dango, hechos de harina de arroz y que se pueden hervir o cocer al vapor. Durante la observación del astro, se tiene la costumbre de preparar una bandeja llamada tsukimidai, que se utiliza para ofrecer el dango. En esta obra, el artista utilizó los propios bollitos para representar la luna de Tsukimi, y los muñecos de la escena están inspirados en personajes de varios cuentos populares japoneses, como la princesa Kaguya, que miraba a la luna y lloraba de añoranza, revelando a su familia que venía de allí. A partir de esta asociación, el título japonés hace un juego de palabras para decir que el sentimiento de la princesa Kaguya por su tierra natal, la luna (tsuki), no tiene fin (tsukinai).
Estaciones del año y sus acontecimientos
Vida en el campo
田舎ぶらし
3 de abril de 2017
Los arrozales en Japón, cuando llega el otoño, cambian del color verde al dorado. Cargadas de granos de arroz, las espigas se inclinan por el peso, como si estuvieran haciendo una reverencia. Durante este periodo, en muchas regiones se realizan festivales para celebrar el éxito de la cosecha y pedir abundancia para el año siguiente. Hasta hoy, el archipiélago japonés tiene como principal actividad agrícola el cultivo del arroz. En su historia, el cultivo del arroz ocupa un lugar importante e incluso es determinante en el calendario fiscal del país: como el grano se cosecha durante el otoño, entre septiembre y diciembre en el hemisferio norte, los agricultores disponían de muy poco tiempo entre su comercialización y el cobro de impuestos, por lo que no podían cumplir con los pagos. Así, en 1886 se adoptó un nuevo calendario fiscal: el mes de abril pasó a ser la fecha límite para el pago de impuestos.
En esta obra, Tatsuya Tanaka representó la cosecha del arroz utilizando las cerdas del cepillo como si fueran las propias espigas. Esta tranquila escena se ve mucho en el campo japonés, y la idealización de “la vida en el campo rodeado de estos paisajes”, por parte de quienes viven el ajetreo de las grandes ciudades, se expresa en el título de la obra, que juega con la expresión “inaka gurachi”, que significa “vida en el campo”, haciendo un juego de palabras entre gurashi, de “vida”, y burashi, de cepillo.
Estaciones del año y sus acontecimientos
Museo de Arte Osechi
おせち現代美術館
2 de enero de 2021
Esta obra se basa en el Osechi Ryori, los manjares que se comen en Año Nuevo en Japón, con una selección variada y una refinada presentación. Se trata de varios alimentos con diversas preparaciones que se presentan en una caja llamada jūbako, similar al bentōbako, la lonchera japonesa, pero todos los ingredientes contienen significados especiales, positivos y con deseos de buena fortuna. El artista cree que los platos Osechi son un símbolo de la cultura mitate de Japón. Por ejemplo, el camarón alude al deseo de “tener una larga vida hasta que tu espalda se curve como un camarón”.
En esta obra, Tanaka utilizó cada uno de los ingredientes para representar piezas de una exposición y dividió el interior del jūbako para recrear las salas de un museo.
Estaciones del año y sus acontecimientos
Hinamatsuri
ふだ人形
3 de marzo de 2020
El Hinamatsuri, también conocido como Día de las Niñas en Japón, se celebra anualmente el 3 de marzo y también recibe el nombre de “Joshi” o “Momo no Sekku”. En esta ocasión, las muñecas son colocadas en un altar decorado que puede tener de uno a siete pisos de altura, con el fin de rezar por el sano crecimiento de las niñas. Se trata de una evolución del “Nagashibina”, una costumbre en la que el mal se transfería a las muñecas, para ahuyentarlo, estas se ponían en cestas y se arrojaban a los ríos. Esta costumbre dio origen al estilo actual, en el que se reza por la salud de los niños. Antiguamente, se utilizaban las muñecas hina, que representaban a la corte imperial japonesa del periodo Heian (794-1185) e imitaban la ceremonia nupcial celebrada en el Shishinden, el salón principal del espacio privado del emperador. Pero hoy en día, como mucha gente vive en departamentos o casas más pequeñas, las versiones simplificadas del tradicional altar de siete pisos con solo dos muñecas son las que más se venden.
En esta obra, el artista creó un altar utilizando naipes, en la parte superior para representar las figuras principales que simbolizan al emperador a la izquierda y a la emperatriz a la derecha, recortó en la baraja los palos de espadas y de copas. El uso de las cartas también se refleja en el título original en japonés, “Fuda Ningyo” (Muñecas Fuda), que es un juego de palabras entre las muñecas hina (hina ningyou) y el palo (fuda) de la baraja.
JHSP
Delicias de ultramar
美味しさは海を越える
Japón y Brasil están en lados opuestos del planeta y aunque hay diferencias culturales y de estilo de vida, la apreciación de los alimentos es común a todos los seres humanos. Entendiendo la comida y el acto de alimentarse como algo capaz de unir a las personas, el artista desarrolló una obra inédita para la exposición de Japan House São Paulo.
Durante varias conversaciones e investigaciones sobre diversos aspectos y elementos de la vida cotidiana brasileña, Tatsuya Tanaka quedó impresionado por la frijolada, un plato que se consume en muchos lugares del país. La combinación de frijoles y arroz sorprendió al artista, ya que también son alimentos familiares para los japoneses, que los consumen de formas muy distintas, incluida la preparación de dulces. De estos dos elementos surgió la idea de crear una obra relacionada con Brasil que se asociara con la playa: el arroz como arena y el mar representado por los frijoles, o incluso la frijolada. Para crear esta obra también se inspiró en el famoso diseño de piedras portuguesas blancas y negras que están en la acera de la playa de Copacabana y representan olas.
Prácticas tradicionales
Manos a la obra
生パスタではなく窯パスタ
21 de agosto de 2022
Esta obra contiene la misma figura que el ceramista de “La belleza perfecta está en la naturaleza”. El artista cuenta que la idea de la miniatura surgió cuando observó la masa en forma de concha y se dio cuenta de su similitud con la arcilla que se moldea en un torno. El aspecto “inacabado” de la masa antes de su cocción recuerda al de la cerámica antes de hornearse. Tanaka también utiliza frecuentemente varios tipos de fideos en sus creaciones, ya que se trata de un ingrediente familiar en la mayor parte del mundo, lo que crea conexiones donde quiera que exponga sus obras.
En el título se percibe el juego de palabras con “masa fresca” (“nama pasuta” en japonés), que, en este caso, se está “cociendo” en el horno del ceramista (kama). Por eso Tanaka la intituló “kama pasuta”.
Prácticas tradicionales
Cebollín Kyudo
弓道ねぎ
14 de octubre de 2019
Esta obra utiliza la sección transversal del cebollín japonés, conocido como naganegi y similar al puerro, para representar el blanco del kyudo, arte marcial que utiliza un arco japonés para disparar la flecha y dar en el blanco. La sección transversal del cebollín tiene capas concéntricas, lo que inspiró al artista a convertirlo en un blanco. Para facilitar la visualización y el reconocimiento del alimento, Tanaka dispuso la planta en una tabla de cortar, asociándola con su uso original en la cocina como alimento.
El título, kyudo-negi (cebollino kyudo), es un juego de palabras con el nombre de una especie de cebollín llamado kujo-negi (cebollín kujo).
Prácticas tradicionales
La belleza perfecta está en la naturaleza
究極の美は自然の中にある
10 de enero de 2022
En esta obra, Tatsuya Tanaka compara las conchas con los jarrones de cerámica. En Japón hay varias regiones productoras de cerámica y porcelana con particularidades de cada lugar como; la mashiko-yaki de la provincia de Ibaraki, la kutani-yaki de la provincia de Ishikawa, la hagi-yaki de la provincia de Yamaguchi y la imari-yaki y la arita-yaki de la provincia de Saga, entre otras.
Cada producción cerámica trabaja con distintos tipos de materia prima, colores y aspectos estéticos, aunque dentro de un mismo estilo, ya que al tratarse de una práctica artesanal, cada pieza es única. Lo mismo puede verse en los patrones y formas de las conchas que, aunque similares, no dejan de tener sus propias singularidades. A partir de esta idea de individualidad, el artista unió estos elementos y también encontró similitudes al elegir conchas con formas espirales, en referencia al proceso de moldeado de la arcilla en el torno del artesano durante el proceso de creación.
Prácticas tradicionales
Taikon
だいこんだいこ
6 de noviembre de 2019
Al igual que en “Un espectáculo que provoca lágrimas”, esta obra presenta nuevamente el tambor japonés, taiko, en una versión aún más grande. En esta ocasión, el elemento elegido para representarlo es el nabo japonés, daikon, que además de instrumento también se utilizó para crear la luna llena que aparece en segundo plano. Al frente, los músicos de shamisen y koto (instrumentos de cuerda tradicionales japoneses) hacen un performance de forma conjunta.
Tatsuya Tanaka cuenta que para producir la fotografía de esta obra utilizó un nabo real, un alimento que él consume mucho en preparaciones como el furofuki daikon, que son legumbres cocidas y condimentadas con miso. La referencia a los instrumentos musicales también está relacionada con sus experiencias pasadas: cuando estaba en la universidad, tocaba el shamisen en el club del que formaba parte.
El título, finalmente, une el tambor con la planta y juega, en japonés, con la similitud entre las palabras daikon (nabo) y daiko (tambor japonés). De hecho, en japonés, la palabra para designar a un tambor es taiko, pero cuando se une a otra expresión, se pronuncia daikó. Y en el título de esta obra en español, las dos palabras, taiko y daikon, se unieron, formando taikon.
Prácticas tradicionales
Un espectáculo que provoca lágrimas
魂の演奏に涙が止まらない
17 de noviembre de 2020
Taiko en japonés significa literalmente “tambor” y es un término utilizado para referirse a la práctica de los tambores tradicionales japoneses. El tipo de tambor japonés representado en la miniatura es el ōdaiko, un taiko de gran tamaño que se toca horizontalmente. La parte de la piel –parte superior que se toca con las baquetas (bachi) para emitir el sonido– es blanca, mientras que el cuerpo es de madera, lo que le da un tono marrón. Por la similitud del color, el artista asoció el instrumento con una cebolla cortada.
En Japón es creencia común que el sonido del taiko hace vibrar todo el cuerpo e incluso el alma. Por eso, el título en japonés, que literalmente significa “las lágrimas no dejan de caer con la actuación del alma”, conecta la idea de las lágrimas de emoción al escuchar un espectáculo de taiko con el hecho de que las lágrimas caen al cortar cebollas.
Prácticas tradicionales
¡Sobró un dorayaki!
「どら焼きが1つ、残った残った〜」
25 de abril de 2018
El dorayaki es un dulce elaborado con masa de bizcocho rellena de mermelada de frijoles azuki llamada anko. El nombre proviene de su forma, que se asemeja a un gong (dora).
En esta obra, el artista utilizó precisamente la forma redonda del manjar para representar un ring de sumo, dohyō. En Kumamoto, la ciudad natal de Tanaka, cuando sobra un solo dulce u otro alimento, por ceremonia, nadie quiere aceptarlo. Esta situación se conoce como “Higo iccho nokoshi” y alude al antiguo nombre de la región, Higo. En otras partes del país, la expresión utilizada es “Enryo no Katamari” y se refiere a la excesiva formalidad que representa el único ítem que sobra. Por ello, el título hace un juego de palabras entre este dulce que “sobró” (nokotta en japonés) y la expresión “nokotta, nokotta”, que grita el árbitro de sumo durante el combate. A diferencia del ōzumo, que es la competición profesional organizada por la Asociación Japonesa de Sumo y que literalmente significa “Gran Sumo”, aquí se presenta como “Pequeño Sumo” por parte del artista.
Vida Cotidiana
Equipaje sospechoso
寿司ん物発見
6 de diciembre de 2020
Esta obra, al igual que Ciudad Sushi, utiliza el concepto de kaiten-zushi, el sushi de la cinta transportadora, como punto de partida. Tatsuya Tanaka cuenta que la idea surgió cuando, en un viaje de negocios, al ver el área de recojo de equipajes del aeropuerto, pensó que sería interesante que, en lugar de equipaje, la cinta transportadora llevara sushi. Con esta idea en mente, investigó un poco y descubrió que en el aeropuerto japonés de Oita hay un área de recojo de equipajes en la que, de hecho, se llevan réplicas de sushi en la cinta transportadora como una acción difundir los productos de la industria pesquera local, resaltando aspectos de la región de forma divertida.
El título rima con la primera parte de un aviso muy común en los aeropuertos, “si encuentra algo sospechoso (fushin butsu wo hakken), por favor comuníquelo”, con la palabra sushi.
Vida Cotidiana
La tranquilidad de un campamento encantador
静かなご飯の森の陰から♪
17 de junio de 2021
El elemento central de esta obra son los onigiri, bolitas tradicionales hechas de arroz, que generalmente se comen en un formato triangular y envueltos en alga nori. Aquí, estas delicias simulan carpas en un campamento y la parte de las algas representa la entrada a las mismas. La fogata que hay al frente tampoco es lo que parece: se hizo con salmón a la plancha, un relleno habitual de los onigiri.
Acampar es una de las costumbres de los japoneses y es una actividad muy practicada, las bolitas de arroz son una comida típica de estos momentos, debido a su practicidad y facilidad para guardarlos y consumirlos. Aunque los campamentos son populares en Japón, Tatsuya Tanaka dice que no tiene ese hábito, pero sí lo relaciona con su infancia, cuando acostumbraba hacer actividades al aire libre con sus padres, y aún hoy admira a quienes las hacen, por eso creó esta obra.
El título de la obra relaciona sus memorias de los campamentos de su infancia con la canción infantil Shizuka na kohan, que comienza con el verso “Shizuka na kohan no mori no kage kara” (Desde la sombra del bosque hasta las orillas del tranquilo lago...). El título cambia kohan (湖畔) por gohan (ご飯), que es arroz cocido, el ingrediente principal del onigiri.
Vida Cotidiana
Más auspicioso que el pargo
鯛よりおめで”たい”
9 de agosto de 2016
En Japón es costumbre beber té verde. Durante la preparación, a veces un pequeño tallo de las hojas flota verticalmente en el centro de la taza. Cuando esto ocurro se considera una señal de buen augurio, para la cultura del país, inspirado por esto Tatsuya Tanaka asoció la planta con un flotador de pesca y creó esta obra similar a un viaje de pesca.
Otro símbolo auspicioso es el pez pargo (tai, en japonés), pues su nombre es similar a la palabra medetai, que significa “feliz, afortunado, que presagia algo bueno”, reforzando la idea del título.
Vida Cotidiana
¡En la reunión, vaya al grano, por favor!
会議は巻きでお願いします
3 de febrero de 2020
En Japón, cuando se quiere pedir que una reunión o un discurso sean breves, se suele decir “maki de onegaishimasu”, donde maki significa “reproducir un video a velocidad acelerada”. El título de la obra es un juego de palabras de este maki con el maki de makizushi, un tipo de sushi envuelto en una hoja de alga nori deshidratada. En este contexto, el propio relleno del sushi se dispone como si fuera un gráfico circular, muy utilizado en el ámbito profesional y de presentaciones.
Para transmitir la sensación de que la escena representa una reunión que no va muy bien o que se está alargando demasiado, el artista ha incluido personajes cuyos semblantes aparecen desmotivados.
Acerca del artista
Tatsuya Tanaka nació en 1981 en Kumamoto (Japón) y se graduó en la Escuela de Educación de la universidad de Kagoshima. Es fotógrafo y desde 2011 lleva a cabo el proyecto MINIATURE CALENDAR [Calendario en miniatura], en el que reimagina y resignifica objetos cotidianos, proponiendo escenas e imágenes en miniatura. Desde entonces, presenta diariamente sus creaciones en Internet.
Por su trabajo e interés en ese tipo de fotografía, Tanaka se considera a sí mismo un artista mitate, un concepto japonés que alude a la idea de observar algo con nuevos ojos para así poder darle nuevos usos y significados.
Con obras insólitas que unen elementos de sorpresa y humor, el artista se conecta con el público tanto en línea como presencialmente en exposiciones realizadas en Japón y el extranjero. Su Instagram tiene más de 3 millones de seguidores y su muestra MINIATURE LIFE: El Mundo de las Miniaturas de Tatsuya Tanaka, por ejemplo, ha sido vista por más de 2 millones de personas.
Tanaka participó en la Expo Dubai 2020 como creador del pabellón japonés y es autor de los libros MINIATURE LIFE, Small Wonders: Life Portrait in Miniature, MINIATURE TRIP IN JAPAN, Assemble and Resemble (KuMitate) y SUSHI Came to Buy some Clothes.
Brócoli
Para Tatsuya Tanaka, el brócoli es un elemento muy importante. Fue a partir de su asociación con la imagen de un árbol que el artista comenzó a explorar el concepto de mitate en sus creaciones. El artista incluye constantemente esta hortaliza en exposiciones y en la ambientación de sus obras, debido al reconocimiento inmediato de esta verdura como representación de un árbol, idea compartida por personas de diferentes culturas alrededor del mundo.
Además, en Japón, la flor de brócoli significa “pequeña felicidad” y este sentimiento conecta con el objetivo de Tanaka de llegar al público a través del humor y el ingenio.
A menudo, en sus muestras, el artista se coloca a sí mismo bajo el árbol de brócoli, un muñeco al que llama “muñeco Tanaka”, sosteniendo una cámara.
Otras perspectivas
Tatsuya Tanaka desarrolló su trabajo a partir de un juego de observación que muchos de nosotros realizamos en la infancia: mirar un racimo de brócoli e imaginar que, si fuéramos muy pequeños, estaríamos frente a un árbol frondoso o delante de un bosque entero.
Este encanto, normalmente más común en el mundo infantil, también es una forma lúdica de cambiar la perspectiva, crear historias y un universo entero gracias al ejercicio de cambio de escala.
Tanaka crea sus escenas utilizando elementos cotidianos, reconfigurando, resignificando y transformando estos minimundos mediante la inserción de pequeñas figuras, que modifican nuestro punto de vista.
Inspirándose en la técnica japonesa del mitate, figura de lenguaje comparable a la metáfora, muy difundida en el Periodo Edo (1603-1868) en la poesía, y también en las artes visuales, Tanaka crea y fotografía cada día dioramas que se transforman en un divertido calendario que publica en su popular Instagram.
Para su primera exposición en América Latina, seleccionamos conjuntamente maquetas y fotografías que se enfocan en aspectos del día a día en Japón, ilustrando así algunas tradiciones, costumbres, leyendas, paisajes y escenarios de ese fascinante país, que también pueden ser descubiertos en las leyendas.
A partir de su imaginario sobre Brasil, sumado a elementos característicos e informaciones investigadas, el artista creó una nueva pieza especialmente para la muestra.
La expografía, cuidadosamente articulada para promover vistas desde diferentes puntos, permite a nuestros visitantes observar las maquetas de diferentes formas: sentados, de pie, en rotación... Y que se diviertan explorando el pequeño y extraordinario mundo de Tatsuya Tanaka.
Natasha Barzaghi Geenen
Directora Cultural de Japan House São Paulo y curadora de la exposición