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おスシティー
1º de novembro de 2018
Desde os anos 1950, existe no Japão um tipo de restaurante chamado kaiten-zushi, local que serve “sushi na esteira”, como diz seu nome em japonês. Esse sistema consiste em uma esteira rolante que acompanha toda a extensão do balcão e das mesas do estabelecimento, levando os pratos em direção aos clientes, que se servem retirando os que desejam. De grande popularidade, esses estabelecimentos combinam conveniência, preços acessíveis e rapidez, atraindo clientes locais e turistas.
Segundo o artista, esta é uma de suas obras mais representativas: “Vou muito a restaurantes de sushi na esteira com minha família, e as crianças disputam quem comeu mais pela quantidade de pratos empilhados. Aos poucos, [os pratos] começam a parecer grupos de edifícios e, sobre a mesa, a imagem passa a se assemelhar com uma cidade. As esteiras por onde o sushi é entregue são as vias expressas”. Esta obra é, portanto, a representação dessa metrópole. Em primeiro plano estão os hashi descartáveis, dispostos em cima do prato como se fossem um guindaste de construção. Ou seja, a pessoa determinada a comer mais vai utilizá-los para aumentar a torre de pratos, simulando a função do automóvel. Essa, por exemplo, também é uma alusão ao fato de que nas cidades japonesas sempre há obras ocorrendo em algum lugar, como se competissem na altura de seus edifícios.
Cenas do Japão Moderno
Metrópole da maquiagem
メイクパレッ都
26 de janeiro de 2016
Nesta obra o artista utilizou diversos produtos cosméticos para representar edifícios. Sua intenção era expressar o colorido das luzes de neon e da iluminação das ruas de Tóquio. No centro, ao fundo, representou com rímel a Tokyo Tower – torre de telecomunicação localizada na região de Minato. Ao seu lado, Roppongi Hills – complexo de prédios e áreas de lazer no centro da capital nipônica – está representado por um batom, enquanto os aplicadores de sombra no céu são estrelas cadentes, e a base redonda representa a lua. A associação da noite na metrópole com maquiagem surgiu para o artista da música Make-up Shadow, cantada por Yōsui Inoue, com sua versão singular de uma vista noturna de Tóquio.
O título deste trabalho é um jogo de palavras em que o ideograma 都 (to), que significa “metrópole” de Tóquio (Tokyo-to, em japonês), foi utilizado para expressar o final to da expressão “paleta de maquiagem” (make-up palette em inglês, mas pronunciada em japonês como meiku paretto).
26 de janeiro de 2016
Cenas do Japão Moderno
Tokyo Skytree de 634mm de altura
高さ 634mmの東京スカイツリー
22 de maio de 2017
A Tokyo Skytree é a nova torre de telecomunicação de Tóquio. Inaugurada em 2012, tem 634 metros de altura e foi construída por causa da alta densidade de arranha-céus que se ergueram pela cidade, impossibilitando a cobertura das ondas de recepção e envio apenas com a Tokyo Tower. Foi concebida pelo escritório de engenharia e arquitetura Nikken Sekkei, com colaboração do arquiteto Tadao Ando e do escultor Kiichi Sumikawa, e é atualmente a torre mais alta do mundo. Localizada em Sumida, Tóquio, perto do distrito de Asakusa, a torre tem exatos 634 metros por uma razão específica: a região onde está situada era chamada no passado de Musashi, cuja pronúncia é a mesma de “seiscentos e trinta e quatro” escritos em números japoneses antigos. Nela também foram utilizados estilos arquitetônicos japoneses tradicionais, como sori (linha suavemente curva, como uma espada japonesa) e mukuri (forma levemente protuberante e que pode ser vista nos pilares do Templo Hōryūji).
Na obra, o artista brincou justamente com o tamanho da construção, mudando a unidade para milímetros, por isso a recriou com 634mm. Os parafusos utilizados para representar a Skytree relacionam-se com o fato de que o distrito em que a torre se encontra é hoje conhecido pela próspera indústria manufatureira. Em primeiro plano há uma paisagem urbana que circunda a edificação, formada por tomadas japonesas chamadas de “tipo A”, com duas fendas verticais e paralelas.
22 de maio de 2017
Cenas do Japão Moderno
Torre de Tóquio de 333mm de altura
高さ 333mmの東京タワー
17 de julho de 2018
A Torre de Tóquio (Tokyo Tower) é uma torre de telecomunicação com 333 metros de altura construída em 1958. Seu projeto foi inspirado na Torre Eiffel, de Paris, França, e ela se tornou um grande símbolo da ascendência do Japão no pós-guerra, tendo um significado especial para a geração que viveu durante o milagre econômico do país, na década de 1960.
Para elaboração desta obra, o artista brincou com a dimensão da torre – alterou a unidade de medida e realizou uma maquete de 333 milímetros de altura. Já o elemento principal escolhido para a representação da torre foi o prendedor de roupas. Quando criança, Tatsuya Tanaka costumava brincar conectando muitos prendedores de roupa para criar dinossauros e robôs, entre outros personagens, por isso os utilizou como extensão dessa antiga brincadeira.
Cenas do Japão Moderno
Trem-bala “Tarako” da Linha Kyushu
九州新幹線「たらこ」
31 de agosto de 2019
Esta obra foi criada para uma exposição na cidade de Fukuoka, que tem como uma de suas especialidades o mentaiko, ovas de bacalhau (tarako) conservadas em sal e pimenta vermelha. Sendo assim, a reprodução dessa iguaria é o elemento principal da composição que está representando o famoso trem-bala ou trem de alta velocidade japonês, chamado Shinkansen. A primeira estação da linha Kyushu Shinkansen é Hakata, localizada justamente em Fukuoka.
A intenção do artista era associar a primeira estação do trem com a ideia de “ponto de partida”, por isso colocou cenas do café da manhã japonês – que indica o início do dia – ao redor do mentaiko. O prédio da estação é uma tigela de sopa de missô e as montanhas ao fundo são bolinhos de arroz, os onigiri. Também colocou chá verde, e o cascalho sob os trilhos é feito de grãos de arroz branco. Além disso, quando olhamos atentamente para a obra, percebemos uma placa na estação que tem o nome de Mentaiko, com a indicação de que a estação anterior se chama Tsukemono (conserva de verduras), e a seguinte, Nattō (soja fermentada), ou seja, nomes de acompanhamentos comuns no café da manhã japonês.
Cenas do Japão Tradicional
Essência japonesa
日本のエッ“センス”
1º de janeiro de 2019
Esta obra fala sobre a essência do Japão (essensu, palavra vinda do inglês essence) por meio de leques (sensu), objetos de uso bastante comum para as pessoas se refrescarem, mas também presentes em rituais e utilizados como acessórios em danças tradicionais japonesas. Muitos leques japoneses são fabricados com técnicas artesanais e têm delicadas pinturas com temáticas florais ou da natureza, de modo geral. Desde o Período Heian (794-1185) os leques passaram a ser utilizados como adorno, para além de sua função original.
Este trabalho faz uso de um leque aberto para baixo, que representa o Monte Fuji, e um leque vermelho, na parte de trás, fazendo as vezes do sol. Já os leques sobrepostos na parte da frente aludem a morros, criando uma paisagem tipicamente japonesa.
Tatsuya Tanaka apresentou esta obra pela primeira vez em um 1º de janeiro, por considerar o tema como auspicioso – aludindo ao primeiro nascer do sol do ano – e assim desejar que as pessoas tivessem um bom ano pela frente. Nesse sentido, e desejando que coisas boas continuassem acontecendo, associou os leques também à ideia de “ventos favoráveis”.
Cenas do Japão Tradicional
Flor-jangada
花筏
30 de março de 2017
A palavra hanaikada (花筏 ), em sua tradução literal, significa “flor-jangada” e é uma expressão existente na língua japonesa. Ela se refere às pétalas de flores que caem e vão flutuando pela superfície da água.
As pétalas representadas nesta obra são de flor de cerejeira ou sakura, espécie muito importante para o povo japonês, cuja floração ocorre entre os meses de março e abril, anunciando o início da primavera e a entrada de um novo ano fiscal, que no arquipélago nipônico se dá também no mês de abril. Contudo, a sakura tem um período de vida bastante curto e suas pétalas se vão com muita facilidade. Por isso, passou a ser relacionada com conceitos japoneses como wabi-sabi, que trata da beleza da imperfeição e da impermanência da vida, e o mujōkan, cuja mensagem traz uma reflexão sobre a constante mudança: tudo, um dia, chegará ao fim.
Cenas do Japão Tradicional
Floresta de bambus – Vamos crescer retos, sem nos curvar
自分を曲げずにまっすぐ伸びよ
7 de julho de 2015
O bambu é uma planta muito comum e apreciada no Japão. Lá crescem cerca de 250 espécies diferentes, e existem grandes áreas com essas plantas, como florestas. O Chikurin no Komichi em Arashiyama, em Kyoto, é um local famoso pela quantidade de bambus, com destaque para o caminho de 300 metros que liga o jardim Ōkōchisansō ao Santuário Nonomiya.
Os bambus são utilizados para variados fins na cultura japonesa, como na alimentação, consumido como broto (takenoko), passando pela construção civil e de mobiliário e até como item de decoração em festivais e rituais cerimoniais. Por estar sempre verde, mesmo no inverno, e ser muito flexível, mas muito resistente, e não quebrar com facilidade, o bambu passou a ser considerado uma planta sagrada, símbolo de prosperidade e boa sorte. Nesta obra, essa simbologia está expressa em seu título.
Como o bambu cresce verticalmente, aqui Tatsuya Tanaka o representou com canudos, que geralmente são dobráveis. O artista escolheu esse tipo de canudo para expressar o desejo de que as pessoas vivam de forma honesta, sem se deixarem levar ou sem desistirem de seus objetivos. Além disso, a mulher nesta miniatura está olhando para a frente, mesmo que sua visão possa ser obstruída na floresta. Assim, a intenção do artista é demonstrar a atitude de seguir firme, mesmo que obstáculos surjam durante o percurso da vida.
Cenas do Japão Tradicional
Japão de tigelas
ちゃわんでジャパン
18 de dezembro de 2020
Esta obra foi criada para um programa da NHK – emissora pública de televisão do Japão – voltado para o público estrangeiro. Utilizando tigelas japonesas como o chawan e o donburi, o artista desenvolveu uma paisagem tipicamente japonesa. A tigela ao fundo da cena, com a boca para baixo, é chamada de akafuji e imita o Monte Fuji tingido pela luz avermelhada das manhãs.
A composição feita de várias tampas de tigela é o pagode de cinco telhados (gojūnotō), construção sagrada presente em todos os templos budistas do país. Trata-se de um local que reverencia as cinzas de Buda e, por sua altura elevada, funciona como ponto de referência para as pessoas da região onde está localizado. Cada um dos cinco telhados representa um plano do mundo budista: terra, água, fogo, vento e céu.
Já as outras tigelas marrons representam montanhas ou casas tradicionais com telhado de palha, e as esteiras de bambu na parte da frente expressam as plantações. O título original em japonês brinca justamente com a presença de tantas tigelas, valendo-se da rima da palavra chawan com a pronúncia de Japan, em inglês.
Cenas do Japão Tradicional
Jardim de folhas novas e matcha
新緑抹茶御苑
29 de setembro de 2016
Esta obra utiliza sorvete de matcha para representar colinas cobertas de musgo em um jardim japonês. O matcha – broto do chá verde em pó ou moído – em si já é um item bem nipônico, utilizado não só nas tradicionais cerimônias do chá, mas também em variados alimentos com esse sabor, como bolos e outros doces, que vêm se popularizando ao redor do mundo. Os jardins japoneses, por sua vez, são representações de ambientes naturais construídos a partir de uma série de regras, elementos e conceitos da filosofia nipônica, que propõem uma experiência imersiva e de contemplação para quem os visita. O musgo está presente em inúmeros desses clássicos jardins e configura um grupo de plantas que cresce de maneira mais livre e requer muita umidade e pouca luz. Por causa dessas características, carrega significados bastante especiais nesse contexto, representando ideias de beleza, simplicidade, humildade e refinamento, além de aludir à estética do wabi-sabi, conceito que fala da transitoriedade das coisas e da beleza na imperfeição.
O título da obra em japonês, “shin-ryoku-matcha-gyoen”, significa, literalmente, “jardim de folhas novas e matcha”. Faz trocadilho com o nome de um parque de Tóquio, o Jardim Nacional de Shinjuku Gyoen, e foi escolhido pelo artista para transmitir a ideia de que a paisagem faz parte da estação de renovação das folhas, shinryoku.
Ao utilizar sorvete, Tatsuya Tanaka também faz uso das réplicas de comida muito comuns no Japão. Chamadas de shokuhin sampuru, são, segundo o artista, uma tecnologia representativa do país e uma manifestação de seu espírito, pois, na hora de escolher a comida em um restaurante, é mais fácil entender do que se trata vendo a foto do prato e não um cardápio só com letras, mas será mais fácil ainda ver o produto que simula o real, com suas texturas e componentes.
Cenas do Japão Tradicional
O nascer do sol colado em minhas retinas
貼る日の出
2018
Esta obra foi criada enquanto o artista trabalhava em um livro de cartões-postais. Ele decidiu fazê-los em formato especial, para que pudessem ser utilizados como nengajō, os cartões de felicitações de Ano-Novo. Com esse objetivo, ao olhar o formato de um suporte de fita adesiva, lembrou-se da famosa obra de xilogravura ukiyo-e “A Grande Onda de Kanagawa”, da série “Trinta e seis vistas do Monte Fuji”, por Katsushika Hokusai. Assim, relacionou imediatamente o objeto com a onda. A partir daí, as ideias foram chegando: a parte que segura a fita se tornaria o Monte Fuji e, por trás dela, viria o sol. Por ser um design de cartão de Ano-Novo, Tatsuya Tanaka inseriu símbolos de boa sorte, como os grous em pleno voo.
O título “haru hinode” brinca com a expressão “hatsu hinode”, o primeiro nascer do sol do ano, e com a palavra haru, que significa “colar” em japonês. No Japão, o uso do antigo calendário lunissolar fazia o Ano-Novo ocorrer no início da primavera e, por isso, a data ainda é chamada de shinshun (nova primavera). O título abrange mais essa ideia, dado que haru também significa primavera.
Cenas do Japão Tradicional
Ruínas do Castelo Yonago
食事のあとは城の跡
23 de abril de 2022
Esta obra foi criada por ocasião de uma exposição em Yonago, na província de Tottori, e representa as Ruínas do Castelo Yonago. Diz-se que o castelo foi construído no século XV e com o passar do tempo foi sendo ampliado, tornando-se a maior fortaleza da região de San’in. Contudo, ele foi demolido em 1880, após a Restauração Meiji, restando apenas partes de suas muralhas de pedra.
As ruínas são vestígios de uma construção anterior, portanto a inspiração para esta obra foi a ideia de representar um “local onde havia algo, mas que desapareceu”. Para isso, o material escolhido foi o recipiente vazio em que é servido o zarusoba – prato cujo ingrediente principal é o soba, macarrão de trigo sarraceno servido gelado, com caldo à parte. Na porção superior da obra as ruínas parecem estar cobertas por grama, e o que dá esse efeito é justamente a esteira de bambu onde se serve a iguaria, que está colocada sob o soba para expressar a vegetação. Na parte de baixo é possível ver outro tipo de macarrão verde, o chasoba – um tipo de soba em que se adiciona chá verde –, para insinuar que, antes, havia soba nos recipientes.
O título original desta obra pode ser lido como “Depois da refeição, as ruínas do castelo”. Em japonês, há uma brincadeira com a palavra ato, que significa “depois” e também “ruínas”. Esta composição também guarda o sentido de que a visita ao Castelo Yonago, localizado em área elevada, exige uma longa caminhada, o que a torna um bom exercício de digestão depois de degustar soba nos famosos restaurantes da cidade. O próprio artista já realizou esse percurso após se deliciar com esse prato local.
Cenas do Japão Tradicional
Uma fonte termal única
湯ニークな露天風呂
26 de junho de 2019
No Japão, os palitos de dente são vendidos em embalagens cilíndricas bem cheias, e esse formato motivou o artista a criar esta obra. Ele começou utilizando a própria embalagem e moveu os palitos um a um para dar forma às cercas que dão privacidade às termas japonesas ao ar livre. Assim, construiu uma cena em que é possível ver pessoas relaxando no banho.
As fontes termais se caracterizam por águas subterrâneas aquecidas pelo calor do interior do solo que emergem à superfície. No Japão, país de grande atividade vulcânica, há fontes termais por todo o arquipélago, chamadas onsen. Ao redor do mundo, a prática mais comum envolve frequentar fontes termais com roupa de banho, mas, no Japão, há seções separadas para homens e mulheres, que se despem por completo para entrar nas águas. Uma boa conduta nas fontes termais japonesas inclui regras como lavar o corpo antes de entrar na água, não entrar de toalha e não nadar, entre outras. Os rotenburo, fontes termais ao ar livre, proporcionam uma sensação ainda maior de liberdade e são muito populares no Japão.
Na língua japonesa, esta obra também cria diferentes conexões. Seu título original assume um tom humorístico ao substituir a sílaba yu (ユ) em yuniiku (ユニーク), que significa “única”, pelo ideograma yu (ゆ), que significa “banho”. Outra relação estabelecida por Tatsuya Tanaka envolve a expressão “Furo de TSUMAzukanai yōni goYŌJIn” (Cuidado para não escorregar na área de banho) e tsumayōji, a palavra japonesa para “palito de dente”.
Cenas do Japão Tradicional
年寄りの目をゴマかす
13 de novembro de 2018
Com a idade, muitas vezes a visão das pessoas passa por certo desgaste, fazendo com que possam ver coisas de forma equivocada. Nesta obra, uma mulher e um homem que aparentam ter idade avançada estão em uma ponte sobre um lago com diversos elementos. A água é representada pela sopa de alga wakame – prato muito popular nas refeições cotidianas dos japoneses –, e o que flutua sobre ela são sementes de gergelim (goma), que talvez estejam sendo percebidas pelo casal de idosos como carpas. Eles estão sendo enganados (gomakasu) pelos próprios olhos.
Além das carpas – presentes em jardins, templos e santuários japoneses, e que carregam forte simbologia de persistência e prosperidade por sua habilidade natural de nadar contra a correnteza –, o lago é composto de outros ingredientes que ajudam a montar a cena: a cebolinha flutuando se parece com a folha da flor de lótus, comum nos lagos japoneses, enquanto a alga que afundou na sopa representa a vegetação em movimento. As tigelas viradas ao fundo são chamadas de chawan e fazem o papel das montanhas.
Esta obra foi elaborada após o artista ter assistido a um programa de TV que mostrava o Imperador do Japão passeando em volta do lago de um tradicional jardim japonês.
Cenas do Japão Tradicional
A volta para casa
帰り道
7 de outubro de 2013
Esta obra foi especialmente escolhida para estar no que parece ser o fim da exposição. Seu título, não à toa, fala sobre a volta para casa, quase como uma mensagem ou desejo de que o público, que está lendo, tenha um bom retorno para sua própria casa.
O artista conta que para elaborar esta obra pensou em como seria possível expressar a nostalgia, e o que veio à sua mente foi a imagem de uma mãe levando uma criança nas costas, indo embora na hora do pôr do sol. Essa cena, diz Tatsuya Tanaka, é algo comum à infância de muitos japoneses, e mesmo aqueles que não tiveram essa experiência devem ter lembranças próximas, como no momento de voltar da escola ou no caminho de casa, no fim da tarde. A ideia de usar o tatame como elemento principal da composição também está relacionada aos tempos de criança, quando o artista brincava com carrinhos sobre esse revestimento de piso típico das casas tradicionais japonesas, imaginando que suas bordas fossem caminhos, ruas, estradas. Assim, podemos observar aqui essas longas veredas que não apenas emulam o percurso, mas também aludem aos arrozais, às suas muitas memórias e ao desejo de retorno ao lar.
Cenas do Japão Tradicional
Castelo de Nattō
お城納豆
7 de junho de 2018
Tatsuya Tanaka criou esta obra para sua cidade natal, Kumamoto. O artista escolheu como essência do local o Castelo de Kumamoto – construção que marca a paisagem da região, além de ser considerado um dos mais importantes do Japão. Sua edificação foi iniciada em 1467, e ao longo dos séculos passou por diversas reformas, modificações e melhorias feitas pelos soberanos que por ali passaram. É conhecido por seu suntuoso exterior preto e por baluartes inclinados, e também por ter sito especialmente projetado para dificultar e desencorajar possíveis ataques e invasões. Desde 1871 pertence ao governo japonês.
A obra foi desenvolvida sobre uma mesa baixa redonda, tradicionalmente utilizada como mesa de jantar no Japão, na qual o artista colocou tigelas e hashi. No centro está o castelo feito com embalagens de nattō – alimento tradicional japonês feito de soja fermentada. Na composição há um boneco do general Kiyomasa Kato, que liderou a construção do castelo. O artista fez uma conexão entre a tenacidade do castelo que resistiu às invasões e o aspecto viscoso do nattō que resiste em desgrudar do seu recipiente. Quando vista de perto a obra representa de fato um castelo, mas, ao nos afastarmos, a paisagem configura-se como um café da manhã tipicamente japonês.
Estações do ano e seus eventos
Mudando o guarda-roupa do ano velho para o ano novo
旧年から新年に衣替え
31 de dezembro de 2017
Esta obra representa o primeiro nascer do sol do ano, chamado de hatsuhinode. É um momento muito valorizado na cultura japonesa, e sua contemplação faz parte das celebrações da entrada do novo ano. Diz-se que a divindade do Ano-Novo, Toshigami, vem com o sol que nasce no primeiro dia do ano, e assim as pessoas podem reverenciá-lo.
O novelo vermelho que está ao fundo representa o sol, e os novelos brancos são montanhas cobertas de neve. O artista escolheu a lã como elemento central, pois nessa data, no Japão, é inverno. Outro costume associado a esse período é o Hatsumōde, ou seja, a primeira visita do ano a um santuário xintoísta. Em alguns desses locais, os cervos são tratados como mensageiros dos deuses, por isso há a imagem desses animais em frente ao santuário representado na miniatura. Além de costumes associados à virada do ano, a lã vermelha ao fundo e a figura de casal no primeiro plano foram escolhidas para indicar que o santuário aí representado é casamenteiro, remetendo à lenda japonesa na qual um fio vermelho nos une à pessoa com quem passaremos o resto da vida.
O título faz alusão ao início de um novo ciclo, mas também enfatiza as estações do ano no arquipélago nipônico, que são muito marcadas. Como a variação de temperatura entre elas é grande, é comum mudar o guarda-roupa na sua transição.
Estações do ano e seus eventos
Tsukimi
想いは“つき”ない
1º de outubro de 2020
No Japão, chama-se Jūgoya a noite de outono em que o ar está límpido e a lua cheia pode ser contemplada em todo o seu esplendor. Comumente conhecida também como Tsukimi – 月 tsuki = lua e 見 mi = ver –, diz-se que essa tradição veio da China durante o período Nara (710-794) e durante o período Heian (794-1185) foi adotada pela nobreza, que realizava grandes banquetes com música e recitais de poesia dedicados à lua. Apenas durante o Período Edo (1603-1868) ela se tornou um costume popular e associou-se aos festivais de outono em que os agricultores dispõem oferendas agradecendo a colheita do ano.
No dia dedicado à contemplação da lua, que sempre acontece entre os meses de setembro e outubro, as famílias se reúnem para comer bolinhos dango – feitos de farinha de arroz e que podem ser fervidos ou cozidos no vapor. Durante a observação do astro, existe o costume de se preparar uma bandeja chamada tsukimidai, que é utilizada para oferecer os dango. Nesta obra, o artista utilizou os próprios bolinhos para representar a lua do Tsukimi, e os bonecos da cena são inspirados em personagens de diversos contos populares do Japão, como é o caso da Princesa Kaguya, que olhava a lua e chorava com saudade, revelando, para sua família, ter vindo de lá. A partir dessa associação, o título em japonês faz um jogo de palavras para dizer que o sentimento da Princesa Kaguya por sua terra natal, a lua (tsuki), não tem fim (tsukinai).
Estações do ano e seus eventos
Museu de Arte Osechi
おせち現代美術館
2 de janeiro de 2021
Esta obra baseia-se no Osechi Ryori, as iguarias consumidas no Ano-Novo japonês com uma seleção variada e apresentação primorosa. Trata-se de vários alimentos com preparos diversos acondicionados em uma caixa chamada jūbako, parecida com o bentōbako, a marmita japonesa, mas todos os ingredientes contêm significados especiais, positivos e com desejos de boa fortuna. O artista acredita que os pratos Osechi são um símbolo da cultura do mitate do Japão. Por exemplo, o camarão faz alusão ao desejo de “ter uma vida longa até as costas se curvarem como um camarão”.
Nesta obra, Tanaka utilizou cada um dos ingredientes para representar peças de uma exposição e dividiu o interior do jūbako para recriar salas de um museu.
Estações do ano e seus eventos
Fogos de artifício bon-bon-boon-bon
花火ボンボンボーン盆
13 de agosto de 2016
No Japão, existe o costume de soltar fogos de artifício em pleno verão, com a realização de muitos festivais dedicados a essa prática, chamados de hanabi taikai. Essas celebrações ocorrem, em sua maioria, durante o Obon, evento que acontece em agosto em comemoração aos antepassados, durante o qual acredita-se que os espíritos retornam temporariamente a este mundo a fim de visitar seus parentes. No último dia de Obon, fogueiras são acesas com a finalidade de iluminar o caminho para que os espíritos consigam voltar ao paraíso sem se perderem, sendo os fogos de artifício sua extensão. Apesar do significado profundo, os fogos de artifício também se estabeleceram no país como uma divertida tradição de verão.
Esta é uma obra em que o artista utilizou flores de crisântemo para representar a explosão dos fogos de artifício que iluminam os céus. A flor escolhida, além de ser considerada selo oficial da Família Imperial Japonesa (na cor dourada e com 16 pétalas), é tradicionalmente associada aos finados e sempre oferecida a eles. Sendo assim, Tanaka faz essa alusão ao período das comemorações do Obon.
Já o título, além de remeter ao período de culto aos ancestrais, contém a onomatopeia bon-bon, que expressa o som do estouro dos fogos de artifício.
Estações do ano e seus eventos
Guardando lugar com notas adesivas
ふせんで場所を確保
24 de março de 2018
No Japão, quando a floração das cerejeiras se anuncia, as pessoas se reúnem para contemplar essas flores. Por ser um momento muito esperado, os espaços são disputados e é comum guardar lugar para grupos com lonas azuis – desde funcionários mais jovens que esperam por seus colegas e chefes, até familiares e amigos que se reúnem para confraternizar. Por isso, o artista criou este cenário utilizando notas adesivas nesse tom. Esses papéis também foram escolhidos porque, no uso cotidiano, vão sendo colados na tela do computador ou no caderno, como se estivessem também disputando seus espaços.
Já as notas adesivas cor-de-rosa representam as próprias sakura, as flores de cerejeira, que aparecem cortadas em círculos aludindo às pétalas que estão tanto nas árvores quanto no chão, transmitindo a delicadeza e efemeridade do ciclo de vida dessa flor. A prática de apreciar e observar a floração dessa espécie é conhecida como hanami.
Estações do ano e seus eventos
Hinamatsuri
ふだ人形
3 de março de 2020
O Hinamatsuri, conhecido também como Dia das Meninas no Japão, realiza-se anualmente a 3 de março e também é chamado de “Joshi” ou “Momo no Sekku”. Nessa ocasião, bonecas são dispostas em um altar decorado que pode ter de um a sete andares, com a finalidade de rezar pelo crescimento saudável das meninas. Trata-se de uma evolução do “Nagashibina”, costume em que se transferia o mal para as bonecas e, para afastá-lo, elas eram postas em cestas e lançadas nos rios. Esse costume deu lugar ao estilo atual, no qual se reza pela saúde das crianças. Antigamente, utilizavam-se bonecas hina – que representam a corte imperial japonesa no período Heian (794-1185) e imitam a cerimônia de casamento realizada no Shishinden, o salão principal do espaço privado do imperador. Mas hoje, como muitas pessoas moram em apartamentos ou casas menores, as versões simplificadas do tradicional altar de sete andares com apenas duas bonecas são as mais comercializadas.
Nesta obra, o artista criou um altar utilizando cartas de baralho e, no topo, para representar as figuras principais que simbolizam o imperador à esquerda e a imperatriz à direita, recortou os naipes de espadas e de copas. O uso das cartas também se reflete no título original em japonês, “Fuda Ningyo” (Bonecas Fuda), que é um jogo de palavras entre bonecas hina (hina ningyou) e o naipe (fuda) das cartas de baralho.
Estações do ano e seus eventos
O arroz é a base da alimentação
美味しい米は食の基盤
27 de dezembro de 2018
Esta obra foi elaborada para a província de Niigata, uma das mais importantes regiões produtoras de arroz do Japão. A cultura do arroz, base da alimentação dos japoneses, se dá, normalmente, com o transplante das mudas nascidas em estufas para áreas de várzea. A cena escolhida para compor a miniatura mostra agricultores trabalhando, mas é cada vez menos comum plantar o arroz manualmente: hoje em dia, o trabalho é feito majoritariamente por máquinas.
O artista percebeu a semelhança entre as partes de metal soldadas em circuitos impressos e as veredas nos campos de cultivo. Além disso, a padronagem com suas cores se parece com a mistura de água e lama. Sendo assim, Tanaka teve a ideia de conectar a agricultura com o mundo digital e da informação, os quais parecem muito distantes à primeira vista. Essa relação foi também levada ao título, que faz um trocadilho, comparando o cultivo do arroz – base (kiban) da alimentação do arquipélago japonês – com as placas eletrônicas (denshi kiban).
Estações do ano e seus eventos
Vida no campo
田舎ぶらし
3 de abril de 2017
Os arrozais do Japão, quando chega o outono, passam da cor verde para a dourada. Carregadas de grãos de arroz, as espigas curvam-se pelo peso, como se estivessem fazendo uma reverência. Nesse período, muitas regiões realizam festivais para celebrar a colheita bem-sucedida e para pedir por abundância no ano seguinte. Ainda hoje, o arquipélago nipônico tem a plantação do arroz como principal atividade agrícola. Em sua história, a rizicultura ocupa espaço importante, sendo até determinante no calendário fiscal do país: como a colheita do cereal é feita durante o outono, entre os meses de setembro e dezembro no Hemisfério Norte, os agricultores tinham um prazo muito curto entre sua comercialização e o recolhimento de impostos, por isso não conseguiam cumprir com os pagamentos. Assim, em 1886 adotou-se o novo calendário fiscal: o mês de abril tornou-se a data limite para o débito dos tributos.
Nesta obra, Tatsuya Tanaka representou a colheita do arroz usando a parte das cerdas da escova como se fossem as próprias espigas. Essa cena tranquila se vê muito no campo japonês, e a idealização da “vida no campo cercada por essas paisagens”, por quem vive na correria das grandes cidades, está expressa no título do trabalho, que brinca com a expressão “inaka gurashi”, que significa “vida no campo”, fazendo um jogo de palavras entre gurashi, de “vida”, e burashi, de escova.
JHSP
Delícias de além-mar
美味しさは海を越える
O Japão e o Brasil estão em lados opostos do globo e, embora existam diferenças na cultura e no estilo de vida, a apreciação do alimento é comum a todos os seres humanos. Entendendo a comida e o ato de alimentar-se como algo capaz de unir as pessoas, o artista desenvolveu uma obra inédita para a exposição na Japan House São Paulo.
Durante diversas conversas e pesquisas sobre variados aspectos e elementos do cotidiano brasileiro, Tatsuya Tanaka impressionou-se com a feijoada, prato que se consome em muitos locais do país. A união do feijão com o arroz surpreendeu o artista, pois são alimentos familiares aos japoneses também, que o consomem de maneiras muito distintas, incluindo a preparação de doces. A partir desses dois itens surgiu, então, a ideia de criar uma obra relacionada ao Brasil que fosse associada à praia: o arroz como a areia e o mar sendo representado pelo feijão, ou até pela feijoada. Para a elaboração do trabalho também se inspirou pelo famoso desenho em pedras portuguesas brancas e pretas na orla de Copacabana que representam ondas.
Práticas Tradicionais
Botando a mão na massa
生パスタではなく窯パスタ
21 de agosto de 2022
Esta obra contém a mesma figura do ceramista de “A beleza perfeita está na natureza”. O artista conta que a ideia para a miniatura partiu de quando olhou a massa em formato de concha e percebeu sua semelhança com a argila sendo modelada no torno. O aspecto “não finalizado” da massa antes de ser cozida se assemelha ao da cerâmica antes da queima. Tanaka também utiliza diversos tipos de macarrão com frequência em suas criações, por ser um ingrediente familiar na maior parte do mundo, criando conexões onde quer que ele exiba seus trabalhos.
No título, percebe-se o trocadilho com “massa fresca” (“nama pasuta” em japonês), que, neste caso, está sendo “cozida” no forno do ceramista (kama). Por isso Tanaka a intitulou de “kama pasuta”.
Práticas Tradicionais
A beleza perfeita está na natureza
究極の美は自然の中にある
10 de janeiro de 2022
Nesta obra, Tatsuya Tanaka compara conchas com vasos de cerâmica. No Japão, existem diversas regiões produtoras de cerâmicas e porcelanas com particularidades de cada local, como a mashiko-yaki da província de Ibaraki, a kutani-yaki da província de Ishikawa, a hagi-yaki da província de Yamaguchi e a imari-yaki e a arita-yaki da província de Saga, entre outras.
Cada produção cerâmica trabalha com diferentes tipos de matéria-prima, cores e aspectos estéticos, e, ainda que dentro de um mesmo estilo, por se tratar de uma prática artesanal, cada peça é única. O mesmo se vê nos padrões e formatos das conchas, que apesar de próximos guardam suas singularidades. A partir dessa ideia de individualidade, o artista aproximou esses elementos e também encontrou semelhanças ao escolher conchas com formas espiraladas, remetendo ao processo da molda da argila no torno do artesão durante o processo de criação.
Práticas Tradicionais
A prática leva à perfeição
みじん斬りを習得中
15 de setembro de 2019
A cebolinha é uma verdura bastante utilizada no Japão, comumente servida em cima do tofu gelado ou dentro do missoshiru, a sopa de missô, por exemplo, adicionando seu sabor e ressaltando características dos demais elementos como um tempero. A que está presente no trabalho de Tatsuya Tanaka é chamada cebolinha aonegi ou hanegi, tem a parte verde mais longa do que a branca e é cultivada principalmente na região de Kansai, localizada na parte centro-sul da ilha principal do Japão, Honshū.
Normalmente consumida em fatias finas, é impressionante ver pessoas habilidosas na cozinha cortando-as de maneira rápida, precisa e padronizada. Esta obra reúne, portanto, a imagem do treinamento do cozinheiro – agilidade, apuro e organização – com a do samurai que praticava cortando bambus no meio da floresta. O título em japonês, “mijingiri wo renshūchū”, que literalmente significa “treinando a técnica para picar os alimentos finamente”, utiliza o ideograma de “cortar o inimigo com uma espada” (斬) em vez do ideograma comumente utilizado para cortar alimentos (切). Ao fazer esse jogo com os ideogramas, o artista relacionou a ideia de treinar a técnica de corte com a faca do cozinheiro e a de treinar a técnica de espada do samurai.
A cena representada na obra vem dos treinos de iaidō, um tipo de arte marcial com espada, na qual os praticantes cortam os makiwara (postes de bambu cobertos com palha) na diagonal, e também das histórias de Musashi Miyamoto (1584-1645) – espadachim muito famoso entre os japoneses, que viveu no início do Período Edo, cuja história é tema de diversos romances e filmes –, que costumava praticar suas habilidades na floresta.
Práticas Tradicionais
Cebolinha Kyudo
弓道ねぎ
14 de outubro de 2019
Esta obra usa a seção transversal da cebolinha japonesa, conhecida como naganegi e semelhante ao alho-poró, para representar o alvo do kyudo, arte marcial que utiliza um arco japonês para disparar a flecha e atingir o alvo. O corte transversal da cebolinha tem camadas concêntricas, por isso inspirou o artista a transformá-la justamente num alvo. Para facilitar a visualização e o reconhecimento do alimento, Tanaka dispôs a planta sobre uma tábua de corte, fazendo a associação com seu uso original, na cozinha, para alimentação.
O título, kyudo-negi (cebolinha kyudo), faz um trocadilho com o nome de uma espécie de cebolinha chamada kujo-negi (cebolinha kujo).
Práticas Tradicionais
Sobrou um dorayaki!
「どら焼きが1つ、残った残った〜」
25 de abril de 2018
O dorayaki é um doce feito com massa de pão de ló recheada com pasta de doce de feijão azuki chamada anko. O nome vem do seu formato, que lembra um gongo (dora).
Nesta obra, o artista se valeu justamente da forma redonda da iguaria para representar um ringue de sumô, dohyō. Em Kumamoto, cidade natal de Tanaka, quando apenas um doce ou outro alimento sobra, por cerimônia, ninguém quer pegar. Essa situação é chamada de “Higo iccho nokoshi” e faz alusão ao antigo nome da região, Higo. Em outras partes do país, a expressão utilizada é “Enryo no Katamari” e remete ao excesso de formalidade representado no único item que sobrou. Sendo assim, o título faz um trocadilho entre esse doce que “sobrou” (nokotta, em japonês) e a expressão “nokotta, nokotta”, que o árbitro de sumô grita durante a luta. E, em contraposição ao ōzumo, que é a competição profissional organizada pela Associação Japonesa de Sumô e que literalmente significa “Grande Sumô”, ela aqui é apresentada como “Pequeno Sumô” pelo artista.
Práticas Tradicionais
Taikon
だいこんだいこ
6 de novembro de 2019
Assim como em “Uma performance de provocar lágrimas”, esta obra traz novamente o tambor japonês, taiko, em uma versão ainda maior. Desta vez, o elemento escolhido para representá-lo é o nabo japonês, daikon, que além do instrumento foi também usado para criar a lua cheia que aparece em segundo plano. À frente, músicos de shamisen e koto – instrumentos de corda tradicionais japoneses – fazem uma performance em conjunto.
Tatsuya Tanaka conta que para produzir a fotografia deste trabalho utilizou um nabo de verdade, alimento que consome muito em preparações como furofuki daikon, o legume cozido e temperado com missô. Já a referência aos instrumentos musicais relaciona-se também às suas experiências passadas: quando estava na faculdade, tocava shamisen no clube do qual fazia parte.
O título, por fim, une o tambor com a planta e brinca, em japonês, com a semelhança entre as palavras daikon (nabo) e daiko (tambor japonês). Na realidade, em japonês, a palavra para tambor é taiko, mas quando ela se junta a outra expressão, é pronunciada como daikô. E no título desta obra em português, uniram-se as duas palavras, taiko e daikon, formando taikon.
Práticas Tradicionais
Uma performance de provocar lágrimas
魂の演奏に涙が止まらない
17 de novembro de 2020
Taiko em japonês significa literalmente “tambor” e é um termo utilizado para se referir à prática dos tambores tradicionais nipônicos. O tipo de tambor japonês retratado na miniatura é o ōdaiko, taiko de grande porte tocado na horizontal. A parte da pele – parte superior que se toca com as baquetas (bachi) para emitir o som – é branca, enquanto o corpo é feito de madeira, o que lhe confere um tom amarronzado. Pela semelhança da cor, o artista associou o instrumento com uma cebola cortada.
No Japão é comum a ideia de que o som do taiko faz vibrar o corpo todo e até mesmo a alma. Por isso, o título em japonês que, literalmente, significa “as lágrimas não param de cair com a performance da alma” conecta a ideia das lágrimas de emoção ao ouvir um espetáculo de taiko ao fato de caírem lágrimas ao cortar cebolas.
Vida Cotidiana
A tranquilidade de um acampamento delicioso
静かなご飯の森の陰から♪
17 de junho de 2021
O elemento central desta obra são os onigiri, bolinhos tradicionais feitos de arroz, geralmente consumidos em formato triangular e envoltos em alga nori. Aqui, essas iguarias simulam barracas de acampamento, e a parte da alga representa a entrada da barraca. A fogueira na parte da frente também não é o que parece: foi feita de salmão grelhado, recheio comum dos onigiri.
Acampar está entre os costumes dos japoneses e é uma atividade bastante praticada, sendo os bolinhos de arroz uma comida típica desses momentos, pela praticidade e facilidade de armazenamento e consumo. Embora os acampamentos sejam populares no Japão, Tatsuya Tanaka diz que não tem esse hábito, mas o relaciona com sua infância, quando realizava atividades ao ar livre com os pais, e até hoje admira quem as faça, por isso criou esta obra.
Já o título do trabalho associa suas memórias dos acampamentos da infância com a música infantil Shizuka na kohan, que se inicia com o verso “Shizuka na kohan no mori no kage kara” (Da sombra da floresta às margens do lago tranquilo…). O título troca kohan (湖畔) por gohan (ご飯), o arroz cozido, principal ingrediente do onigiri.
Vida Cotidiana
Bagagem suspeita
寿司ん物発見
6 de dezembro de 2020
Esta obra, assim como Cidade Sushi, utiliza o conceito do kaiten-zushi, o sushi de esteira, como ponto de partida. Tatsuya Tanaka conta que a ideia surgiu quando, em uma viagem a trabalho, ao ver a área de retirada de bagagens no aeroporto, pensou que seria interessante se, no lugar da bagagem, a esteira carregasse sushi. Com isso em mente, realizou algumas pesquisas e descobriu que existe uma área de retirada de bagagens no aeroporto de Oita, no Japão, onde réplicas de sushi, de fato, são transportadas pela esteira como uma ação de divulgação dos produtos da indústria pesqueira local, valorizando de maneira divertida aspectos da região.
O título rima a primeira parte de um aviso muito comum em aeroportos, “caso encontre algo suspeito (fushin butsu wo hakken), favor nos informar”, com a palavra sushi.
Vida Cotidiana
Mais auspicioso que o pargo
鯛よりおめで”たい”
9 de agosto de 2016
No Japão costuma-se tomar chá verde. Durante o preparo, às vezes acontece de um pequeno talo das folhas boiar verticalmente no meio da xícara. Esse acontecimento é considerado sinal de bom presságio no país, e, inspirado nisso, Tatsuya Tanaka associou a planta com um flutuador de pesca e criou esta obra semelhante a uma pescaria.
Outro símbolo auspicioso é o peixe pargo (tai, em japonês), pois seu nome assemelha-se à palavra medetai, que significa “feliz, venturoso, o que prenuncia algo bom”, reforçando a ideia do título.
Vida Cotidiana
Na reunião, não enrole, por favor!
会議は巻きでお願いします
3 de fevereiro de 2020
No Japão, quando se deseja pedir que uma reunião ou um discurso seja breve, costuma-se dizer “maki de onegaishimasu”, sendo que maki significa “reproduzir um vídeo em velocidade acelerada”. O título da obra é um trocadilho desse maki com o maki de makizushi, um tipo de sushi enrolado em folha de alga nori desidratada. Nesse contexto, o próprio recheio do sushi está disposto como se fosse um gráfico de pizza, muito utilizado no ambiente profissional e de apresentações.
Para transmitir o clima de que a cena representa uma reunião que não está indo muito bem ou que está sendo muito longa, o artista incluiu personagens cujo semblante aparece com ar desmotivado.
Brócolis
Para Tatsuya Tanaka, brócolis são um elemento muito importante. Foi a partir da sua associação com a imagem de uma árvore que o artista passou a explorar o conceito do mitate em suas criações. Ele inclui essa hortaliça constantemente nas exposições e no cenário de suas obras por causa do reconhecimento imediato desse vegetal como representação de uma árvore – ideia compartilhada por pessoas de diferentes culturas ao redor do mundo.
Além disso, no Japão, a flor de brócolis significa “pequena felicidade”, e esse sentimento conecta-se com o objetivo de Tanaka, de atingir o público por meio do humor e da sagacidade.
Muitas vezes em suas mostras o artista posiciona a si mesmo sob a árvore de brócolis, um boneco que denomina “boneco Tanaka”, segurando uma câmera.
Outras perspectivas
Tatsuya Tanaka desenvolveu seu trabalho a partir de uma brincadeira de observação que muitos de nós fizemos na infância: olhar um buquê de brócolis e imaginar que, se fôssemos bem pequenos, estaríamos diante de uma árvore frondosa ou de uma floresta inteira.
Esse encantamento, normalmente mais comum no mundo infantil, é também uma forma lúdica de alterar a perspectiva, criar histórias e um universo inteiro graças ao exercício de mudança de escala.
Tanaka cria suas cenas usando elementos cotidianos, reconfigurando, ressignificando e transformando esses minimundos pela inserção de pequenos bonecos, que modificam nosso ponto de vista.
Inspirado na técnica japonesa do mitate, figura de linguagem equiparável à metáfora, especialmente difundida no Período Edo (1603-1868) na poesia, mas também nas artes visuais, todos os dias Tanaka cria e fotografa dioramas que se transformam em um calendário divertido, publicado por ele em seu popular Instagram.
Para sua primeira exposição na América Latina, selecionamos em conjunto maquetes e fotografias que focam aspectos do dia a dia no Japão, ilustrando assim algumas tradições, hábitos, lendas, paisagens e cenários desse país fascinante, que podem ser também descobertos nas legendas.
Com base em seu imaginário sobre o Brasil, somado a elementos característicos e informações pesquisadas, o artista criou uma nova peça especialmente para a mostra.
A expografia, cuidadosamente articulada para promover olhares a partir de pontos distintos, permite que nossos visitantes observem as maquetes de diversos modos: sentados, de pé, em rotação... e que se divirtam explorando o pequeno mundo extraordinário de Tatsuya Tanaka.
Natasha Barzaghi Geenen
Diretora Cultural da Japan House São Paulo e curadora da exposição
Sobre o artista
Tatsuya Tanaka nasceu em 1981 em Kumamoto, Japão, e formou-se na Escola de Educação da Universidade de Kagoshima. É fotógrafo e, desde 2011, realiza o projeto “MINIATURE CALENDAR” [calendário miniatura], no qual ele reimagina e ressignifica objetos do cotidiano, propondo cenas e imagens em miniatura. Desde então, diariamente, ele apresenta suas criações na internet.
A partir desse seu trabalho e interesse, Tanaka entende-se como um artista de mitate, conceito japonês que alude à ideia de observar algo com novos olhos, de olhar novamente para algo e assim conseguir dar novos usos e significados.
Com obras inusitadas que unem elementos de surpresa e humor, o artista se conecta com o público tanto online quanto presencialmente, realizando exposições no Japão e internacionalmente. Seu Instagram possui mais de três milhões de seguidores e sua mostra MINIATURE LIFE: Tatsuya Tanaka's World of Miniatures, por exemplo, já foi vista por mais de dois milhões de pessoas.
Tanaka participou da Expo Dubai 2020 como criador do pavilhão japonês e é autor dos livros "MINIATURE LIFE," "Small Wonders," "MINIATURE TRIP IN JAPAN," "Assemble and Resemble ‘KuMitate’ e " "SUSHI came to buy clothes".