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htmlText_9566E1F3_B469_6763_41D5_81EA57DB82DB.html = WAVE – Nuevas tendencias en las artes gráficas japonesas
El arte gráfico y la ilustración tienen una larga historia en Japón y son fuerzas vibrantes en la cultura japonesa actual. Aunque muchos artistas japoneses de la posguerra se vieron influidos por el arte y los medios de comunicación occidentales, los artistas gráficos e ilustradores actuales se inspiran en muchas fuentes diferentes, como las pinturas tradicionales japonesas y la xilografía, el arte popular, la fotografía, la arquitectura, la fantasía y el pop art. Estos artistas suelen reunir el mundo de la ilustración en libros, revistas, cómics y pósteres, e incluso relacionan el arte bruto con el mundo de las bellas artes.
La exposición WAVE presenta la rica y variada obra de 55 artistas japoneses contemporáneos en los campos del dibujo, la pintura y la animación. Sus creaciones van mucho más allá del manga y el anime y representan una escena artística diversa y expresiva aún poco conocida fuera de Japón. WAVE se basa en la famosa exposición anual de arte del mismo nombre, que se celebra desde 2018 en el Arts Chiyoda de Tokio, donde cada año se presentan las obras de más de cien de los principales ilustradores, diseñadores y artistas gráficos y contemporáneos de Japón.
Esta exposición itinerante de Japan House ofrece por primera vez al público internacional una amplia y variada selección de estas obras, presentando los estilos y diseños con los que en la actualidad trabajan los ilustradores y artistas gráficos japoneses y creando una nueva inspiración para los futuros artistas de todo el mundo.
Hiro Sugiyama
Kintaro Takahashi
Curadores de la exposición
#WAVEnaJHSP
AC-bu
La sonrisa del DELFÍN llamado DELFÍN, 2020
Acrílico y gouache sobre lienzo
El AC-bu fue fundado por Toru Adachi (n. 1976), Shunsuke Itakura (n. 1976) y el exmiembro Makoto Ando, todos ellos graduados en la Universidad de Arte de Tama. El colectivo lleva su estilo enérgico y conciso a ilustraciones, animaciones, vídeos musicales, publicidad local, bellas artes e incluso campañas de votaciones gubernamentales. En 2014, presentaron su espectáculo de imágenes de alta velocidad, el Anzen unten no shiori (Guía de Conducción Segura), en el Ars Electronica Animation Festival. En esta obra, uno de sus personajes más populares, el Iruka no Iruka-kun (Dolphin Dolphin-kun) [El delfín llamado Delfín], creado por ellos en 2010, aparece sentado con una sonrisa misteriosa, en una pose que evoca un “cierto cuadro famoso”.
AC-bu
Nueva Tribu [New Tribe], 2019
4'45”
Música - Poder
Animación - AC-bu
©2019 Beats In Space Records
Akira Uno
後の月 後シテならば 痩男（俳句）
Nochi no Tsuki Nochishitenaraba Yaseotoko (haicai), 2020
Impresión digital en lienzo(Original: técnica mixta sobre lienzo, 2020)
Akira Uno (también conocido como Aquirax Uno, n. 1934) es uno de los principales artistas e ilustradores de Japón, con una carrera de seis décadas. En las décadas de 1960 y 1970 formó parte del movimiento artístico underground japonés y participó en producciones de teatro experimental. Hoy en día es más conocido por sus retratos de fantasía, a menudo de personajes atemporales, delicadamente reproducidos a bolígrafo y tinta. Muchas de sus ilustraciones presentan una misteriosa figura femenina con una mirada de aburrimiento. En esta imagen, inspirada en un haiku de Mutsuo Takahashi, un esbelto joven con aspecto de sílfide sostiene una luna creciente, mientras una joven lleva un adorno de halcón en la cabeza.
Awai
Flores que florecen en espacios vacíos, 2021
Acrílica sobre lienzo
El artista Awai (n. en 1981), que vive en Tokio, creció amando dibujar. Aunque no estudió arte formalmente, se graduó en Diseño en la universidad. Le sigue gustando el proceso de dibujar, dejándose llevar por su subconsciente y sus emociones, de modo que sus personajes, al estilo del manga, expresan a menudo los estados de ánimo y sentimientos del propio artista. Aunque las imágenes pueden reflejar tristeza o sufrimiento, Awai suele añadir un elemento que ofrece consuelo. En esta obra, retrata la soledad de una mujer joven con algunos rasgos simples y crea un escenario que sugiere destrucción y pérdida. Al lado de la niña, sin embargo, hay un conejito que le ofrece compañía y consuelo.
Ayako Ishiguro
Poderoso, 2021
Impresión digital sobre lienzo
(Original: lápiz, tinta sumi y pigmento sobre papel washi, 2021)
Ayako Ishiguro (n. 1973) es una artista e ilustradora autodidacta de la provincia de Chiba. Sus pinturas e ilustraciones de libros exhiben monstruos, animales que cambian de forma y otros yōkai –o seres sobrenaturales– del folclore tradicional japonés y de su propia imaginación. Es conocida especialmente por sus ilustraciones de bakeneko, los gatos monstruosos. En 2016, publicó un libro con sus imágenes de yōkai, que son aterradoras, graciosas y cómicas al mismo tiempo. En esta obra, titulada Chikamochi [Poderoso], un pulpo con aspecto serio imita a un poderoso guerrero samurái, que luce un hachimaki (bandana japonesa) en la cabeza y un taparrabos en la cintura, y sostiene un ōtsuchi, un enorme mazo de madera.
Chika Takei
Encendido y apagado, 2021
Acrílica y gouache sobre lienzo
Nacida en la ciudad de Utsunomiya, provincia de Tochigi, Chika Takei (n. 1982) comenzó su carrera de ilustradora poco después de graduarse en la escuela de ilustración Aoyama Juku. Sus imágenes, muy estilizadas, de personajes por lo general femeninos, son coloridas y temperamentales y, a lo largo de los años, se han inspirado en estrellas del pop como Britney Spears. Detalladas con precisión con pinceles de punta sumamente fina, sus personajes suelen ser lúdicos y emocionalmente expresivos. Su trabajo ha aparecido en libros, revistas, pósteres, publicidad online, comerciales de divulgación de celebridades y en el diseño de estudios para la cadena de televisión japonesa TBS, además de ser ampliamente expuesto en galerías de arte.
Face Oka
Dinero en vez de pasto verde, 2021
Acrílica sobre lienzo
Hijo de un taiwanés y una japonesa, Face Oka (n. 1985) es un artista e ilustrador autodidacta que aprendió de otros artistas. Creando principalmente dibujos a mano, trabaja en publicidad y revistas y en la industria de la moda, colaborando con marcas como Better, Human Made, Beams, Uniqlo y Adidas. En gran parte de su arte, el artista satiriza el conformismo japonés y la tendencia a evitar la confrontación a toda costa. Aquí, una mujer gigantesca con rasgos faciales distorsionados, como muchos de sus personajes, parece abrazar un puente que atraviesa un bosque, sugiriendo la desconexión entre los humanos y la naturaleza.
Hajime Sorayama
TREX (A), 2020
Impresión digital híbrida de Canon de 12 colores en papel
Hajime Sorayama (n. 1947) se graduó en Central Art School (Chubi) de Tokio y trabajó brevemente en publicidad antes de convertirse en ilustrador independiente en 1971. En 1978, Sorayama diseñó su primer robot y en la década de los ochenta adquirió gran protagonismo con su serie de “Robots Sexys”, creada a partir del arte pin-up. Sus imágenes súper reales, precisas y muy detalladas abordan las ideas de proximidad y personifican el impulso humano por la búsqueda de la belleza. Al mismo tiempo, sus robots abordan varios temas importantes de la sociedad contemporánea, como las barreras raciales, la vida eterna y la fusión de la tecnología con la belleza. Sus imágenes de dinosaurios robots juegan con los conceptos de tecnología y cronología, historia y ciencia ficción.
Harumi Yamaguchi
Pez tropical, 2021
Impresión digital sobre lienzo (Original: acrílica sobre lienzo, 1981)
Harumi Yamaguchi (n. 1941) es un nombre importante en la publicidad japonesa. Fue pionera en la estética del aerógrafo plano, que se asoció estrechamente con la ilustración comercial. Nacida en Shimane, se graduó en pintura al óleo en la Universidad de las Artes de Tokio y en los años 70 y hasta mediados de los 80 fue la encargada de la publicidad de la empresa minorista PARCO. Su posición le permitió retratar a una mujer cosmopolita emergente, libre de los roles femeninos tradicionales y con la capacidad de definirse a través del consumismo. En sus ilustraciones retocadas, las mujeres, conocidas popularmente como “Harumi Gals”, son siempre glamurosas, fuertes y activas, devolviendo con seguridad la mirada del espectador.
Hideyasu Moto
Las largas vacaciones de Recosuke, 2020
Óleo sobre lienzo
Hideyasu Moto (n. 1969) es un artista autodidacta que transita por los mundos del manga y la pintura. Él se volvió ilustrador en 1990 y, 5 años después, estrenó como creados de mangas en la revista Garo, lanzando un estilo intencionadamente fuera de moda. El amor de Moto por los discos musicales sirvió de inspiración para que creara el Recosuke-kun, un manga en el que aparece el personaje Recosuke (que significa “adorador de discos”). En esta escena, vemos a Recosuke junto a la piscina sosteniendo el álbum A Long Vacation (“Unas largas vacaciones”), del músico japonés Eichi Ohtaki, lanzado en 1981. La portada del álbum fue diseñada por el artista Hiroshi Nagai (cuya obra también figura en esta exposición). En esta pintura, Moto juega con la imagen de la portada para crear una especie de efecto óptico (trompe l'œil) con el borde de la piscina.
Hikaru Ichijo
Gemelos, 2021
Serigrafía sobre papel
Hikaru Ichijo (n. en 1989) tiene un máster en comunicación visual por la Universidad de las Artes de Tokio. En 2018, comenzó a trabajar como ilustradora. Su obra está presente en libros, piezas publicitarias y diseño de envases. Recurriendo a las tecnologías de impresión –normalmente la retícula Benday– para explorar la expresión del color, la artista construye audaces imágenes de figuras femeninas con una estética pop contemporánea y moderna. Prefiere no dibujar los rostros, liberando a los personajes de los juicios de valor derivados de los cambiantes cánones de belleza. Más bien, sus mujeres son fuertes y atléticas, a menudo retratadas de abajo hacia arriba, de modo que parezcan elevarse ante el espectador.
Hiro Sugiyama
Diana, 2020
Acrílica sobre lienzo
Hiro Sugiyama (n. en 1962), uno de los organizadores y curadores de la exposición WAVE en Tokio y de esta exposición itinerante en Japan House, es un artista residente en Tokio, cuya prolífica producción comprende la pintura figurativa y abstracta, los retratos superrealistas, los grabados, la fotografía y el collage. En gran parte de su obra el artista explora los puntos de intersección entre las dualidades –la vida y la muerte, la realidad y la irrealidad, lo abstracto y lo concreto, lo digital y lo analógico– expresando el estrecho espacio donde los opuestos se encuentran. En esta obra, una imagen clásica de la diosa griega de la caza, Diana, dibujada con líneas, se sitúa sobre un fondo abstracto pintado de manera osada. La cuerda blanca dibujada de forma realista hace un zigzag que parece unir aún más estas formas distantes de expresión artística.
Hiroki Taniguchi
La flor de aquí, de allí y de todas partes, 2020
Técnica mixta sobre lienzo
Hiroki Taniguchi (1957-2021), nació en la ciudad de Kawasaki, Kanagawa, y estudió en la Universidad de Artes de Tokio. Ha trabajado como ilustrador, creando imágenes sencillas, encantadoras y a menudo excéntricas que han adornado diversas portadas de libros, pósteres y artículos de papelería, y su trabajo ha sido presentado en varias exposiciones individuales y colectivas. Taniguchi consideraba que Japón y el hecho de ser japonés eran fundamentales para su expresión artística. Los temas de la vida cotidiana japonesa, como los cuencos de arroz y el hashi, las legumbres, las flores y los dioses populares, están muy presentes en su trabajo.
Hiroshi Nagai
Sin título, 2021
Impresión digital sobre lienzo
(Original: acrílica sobre lienzo, 2003)
Hiroshi Nagai (n. 1947) es un artista autodidacta de Tokushima, en la isla de Shikoku. De niño, descubrió la pintura a través de su padre, que era pintor al óleo, y pasó posteriormente a trabajar como decorador de escenarios, desarrollando también sus habilidades como artista. Muy influenciado por el arte pop estadounidense, así como por las obras surrealistas de Salvador Dalí y René Magritte, Nagai, ha diseñado portadas de discos para muchos artistas japoneses (incluida una portada a la que se hace referencia en la obra de Hideyasu Moto en esta exposición). Nagai es más conocido por sus escenas de playas, piscinas y carreteras costeras, representadas en tonos vivos y a menudo sin la presencia de personas.
Izuru Aminaka
Cavalier, 2021
Acrílica sobre madera
Izuru Aminaka (n. 1968) es una ilustradora que desarrolla su actividad en Tokio y en la provincia de Oita. Después de graduarse en arte y trabajar para una empresa de confección, se convirtió en ilustradora independiente, diseñando portadas de libros para varias editoriales y anuncios corporativos. Actualmente es profesora en Oita Prefectural College of Arts and Culture. Sus obras, reproducidas normalmente en un estilo onírico, con contornos suavemente pintados que contrastan con zonas planas de color transparente, parecen alegres, pero tienen un toque “venenoso”. Suelen representar a mujeres serias, como ésta, abrazada a su perro de raza spaniel, Cavalier King Charles. Aunque el animal mira directamente al espectador, la mujer mira a lo lejos, como si deseara estar en otro lugar.
Jenny Kaori
La vida es buena, 2021
Impresión digital sobre lienzo
La artista autodidacta Jenny Kaori (n. 1987) trabaja en la animación, el diseño de personajes y el vestuario, y suele retratar a los jóvenes que habitan la subcultura y la cultura dominante de Japón. Utilizando colores vivos y una paleta de colores predominantemente rosa, crea figuras femeninas fuertes y provocativas que trascienden los límites del género y desafían los estereotipos de la feminidad. Aquí, una chica parece haberse caído de un automóvil y está rodeada por el contenido de varias cajas que han quedado esparcidas por el suelo. En una mano, sostiene un cetro con un extremo en forma de corazón; en la otra, dinero. La imagen sugiere que se trata una mujer joven dominada por el consumismo.
Jun Oson
Buenos amigos, 2021
Acrílica sobre lienzo
Jun Oson (n. 1979), vive en Kamakura y trabaja en muchas áreas, como la ilustración de libros y el diseño de portadas, la animación, el diseño de productos y ropa, y el arte impreso y digital. Pinta en un estilo pop art, explorando motivos y temas que son universales y trascienden en el tiempo. Aquí vemos a tres de los cuatro personajes de “Amigos para siempre” –Red Dog, Skully y Bello Bello de cara verde– entrelazados en una amistosa pelea de lucha libre. Los personajes aparecen en cuadros como éste, expuestos en galerías de arte contemporáneo de Tokio, así como en camisetas y muñecos de acción.
Kahori Maki
Flor meditativa, 2021
Tinta sobre impresión digital en Photoshop montada en acrílico
Kahori Maki (n. 1969) es una artista e ilustradora japonesa de formación internacional que trabaja con diversos medios, como el dibujo, la pintura, el vídeo y la instalación, y expone sus obras con frecuencia en galerías. Utilizando flores o plantas como temas, Maki parte de un único dibujo que amplía en creaciones más complejas como se ve en esta obra, que es típica de sus imágenes, con gran detalle y textura. En su trabajo comercial, ha creado obras para revistas como Vogue Nippon y portadas de discos, además de colaborar con marcas de moda como la japonesa Comme des Garçons. Suele alternar entre los métodos analógicos y digitales y ha trabajado en colaboración con Apple y Adobe Systems.
Katsuya Terada
Sin título, 2021
Impresión digital sobre lienzo(Original: rotulador sobre lienzo, 2017)
Katsuya Terada (n. 1963) es un ilustrador y artista de manga de Okayama. Se autodenomina artista del rakugaki (del garabato), ya que le gusta dibujar en todas partes, todo el tiempo. Como dibujante de manga y anime, ha creado personajes para películas y series de animación japonesas, ilustraciones para varios videojuegos y ha trabajado en cómics estadounidenses, como Iron Man y Hellboy. Como ilustrador y artista, desafía –con bolígrafos y herramientas digitales similares– los límites del manga y del arte a través de la exploración de las líneas conforme se expanden, construyendo elaborados temas extraídos de los sueños, las fantasías y el mundo natural.
Keiichi Tanaami
Shonen Tiger 01, Shonen Oja, Shonen Tiger 02, 2008
Serigrafía sobre papel
Keiichi Tanaami (n. 1936) es uno de los principales artistas pop de Japón. Trabaja desde la década de 1960 como diseñador gráfico, ilustrador y videoartista, exhibiendo su arte en numerosas exposiciones en Japón y en el extranjero. Es sobre todo conocido por sus imágenes densamente compactas y coloridas, que contienen escenas de su infancia durante la Segunda Guerra Mundial, detalles de sus sueños y temas cómicos de la cultura pop. Cuando vivía en Nueva York a finales de los años 60, Tanaami se inspiró en Andy Warhol para cuestionar el rol del artista y del arte en el mundo artístico, en el comercio y en la vida cotidiana. Utilizó su trabajo para protestar contra la guerra y para decorar portadas de discos, además de haber dado clases a muchos jóvenes artistas en la Universidad de Arte y Diseño de Kioto. Estos tres grabados se crearon utilizando ilustraciones originales de los libros de posguerra de Soji Yamakawa (1908-1992), autor de las series Shonen Tiger y Shonen Oja. La colaboración póstuma entre Yamakawa y Tanaami formó parte de una retrospectiva de la obra de Yamakawa en 2008 para conmemorar el centenario de su nacimiento.
Keiji Ito
Cinco tonos, 2020
Impresión giclée sobre lienzo
Keiji Ito (n. 1958) vive en Tokio, es ilustrador, diseñador gráfico y director de Unidentified Flying Graphics (UFG). Gran parte de su obra investiga la idea de que las cosas que parecen normales a primera vista, pero a menudo pueden esconder locura y psicodelia, como la montaña de gelatina de este paisaje surrealista que, acompañada del título Cinco tonos, es una alusión a la película de ciencia ficción de Steven Spielberg de 1977, Encuentros cercanos del tercer tipo. Para Ito, los portales a otros mundos están ocultos en nuestros espacios cotidianos y pueden abrirse de repente y crear una sensación de incongruencia. Él intenta registrar estos momentos para la eternidad en sus cuadros. Ito ha realizado numerosas exposiciones individuales, ha participado en muestras nacionales e internacionales y ha realizado varias publicaciones, entre ellas su obra más reciente, FUTURE DAYS (DÍAS FUTUROS).
Kenichiro Mizuno
Existencia casual, 2000
Acrílica sobre lienzo
Durante su infancia, Kenichiro Mizuno (n. 1967) estuvo fuertemente influenciado por los animes de la televisión japonesa. En su época de estudiante en la Universidad de Tottori y en el seminario Setsu Mode de Tokio, trasladó sus intereses visuales al cine cult y al arte contemporáneo. Mizuno desarrolló un estilo personal como artista, inspirándose en revistas y visitas a galerías de arte. Sus obras surgen de diversas fuentes y utiliza varios medios –dibujo, pintura, arte gráfico y animación– para plasmar su visión única y peculiar.
Kenichiro Mizuno
DIET BUTHCHER SLIM SKIN, 2005
5'10”
Video realizado para la marca de moda japonesa Diet Butcher Slim Skin
Animación - Kenichiro Mizuno
Música - 裏HIROKI & THE 花嫁
Kimi Kuruhara
Shinobi, 2021
Óleo sobre lienzo
Kimi Kuruhara (n. 1963) se inspira en fuentes tan diversas como el mundo natural, el arte cristiano medieval y el manga y el anime de las décadas de 1960 y 1970. Kuruhara vive en Nagano, donde también pinta y fabrica muñecos, considera que sus obras no tienen una dirección específica. Más bien, muchas de sus imágenes proceden de ideas que surgen de repente en su mente, como una historia que ella comparte con un amigo. Su rica imaginación puede verse en esta peculiar pintura de un shinobi (otro término para referirse a los ninjas) nadando de noche en el foso de un castillo con un cuchillo en la boca. Su movimiento es tan sigiloso que no despierta a los patos ni provoca una sola ondulación en la superficie del agua.
Kintaro Takahashi
Chica de abril, 2021
Impresión digital en lienzo
Kintaro Takahashi (n. 1955) es de la ciudad de Matsumoto, provincia de Nagano. Su interés por la ilustración surgió cuando estudiaba diseño gráfico en la Universidad de Arte de Tama, en Tokio, y ahora se especializa en obras ilustrativas con un toque delicado. En este cuadro, representa el rostro de una chica en abril, utilizando pinceladas y pigmentos mínimos, añadiendo únicamente un rojo oscuro para resaltar y resaltar los labios, quizá para sugerir el amor juvenil. Takahashi prefiere crear sus personajes a partir de sus recuerdos más que de la realidad. Es uno de los organizadores de la exposición WAVE en Tokio y curador de esta exposición itinerante de Japan House.
Kosuke Kawamura
Sin título, 2020
Impresión de inyección de tinta y pintura acrílica en spray sobre lona
Kosuke Kawamura (n. 1979) nació en la provincia de Hiroshima. Después de graduarse de la escuela secundaria, se mudó a Tokio y se convirtió en diseñador gráfico autodidacta. Actualmente trabaja como diseñador, director de arte y realizador de collages, influenciado en parte por el artista estadounidense Winston Smith. Comenzó a utilizar una picadora de papel en su trabajo, que pronto se convirtió en un elemento importante de sus collages, permitiéndole crear finos patrones (algunos de los cuales uso en colaboración con diseñadores de moda). Desarrolla su actividad en los ámbitos analógico y digital con sus diseños de collage, que a menudo unen pinturas en vivo e imágenes digitales para crear un arte pop y vanguardista.
Kotao Tomozawa
slimeLXXV, 2021
Óleo sobre lienzo
Kotao Tomozawa (n. 1999) nació en Burdeos, Francia. Se mudó de París a Japón en 2004 y actualmente estudia pintura al óleo en la Universidad de las Artes de Tokio y expone su obra en galerías. En sus retratos suelen aparecer rostros cubiertos de sustancias similares al slime (un juguete de material pegajoso y adherente). La textura, la translucidez y la suavidad de los materiales se retratan meticulosamente, haciendo que el espectador se cuestione si lo que está viendo es real.
Makiko Sugawa
Vestido de encaje, 2021
Bolígrafo, lápiz y acrílica sobre papel
Nacida en la provincia de Wakayama, Makiko Sugawa (n. 1974) se graduó en el Kyoto College of Art e inició su carrera como diseñadora. Ha desarrollado un estilo de diseño muy refinado (con líneas finas y delicadas y detalles meticulosos), y se ha especializado en figuras femeninas y muñecas con las extremidades unidas a articulaciones y bisagras decorativas. Las mujeres son fuertes y sensuales, visten encajes y lencería e irradian confianza en sí mismas e independencia. Sugawa perdió su pierna a causa del cáncer y aboga por los amputados a través de sus obras, transmitiendo el mensaje de que hay belleza y fuerza en las imperfecciones físicas.
Makito Takagi
Snap-49, 2021
Acrílica sobre lienzo y panel
Makito Takagi (n. 1986) es un ilustrador de pop art que crea personajes de dibujos animados peculiares, los cuales muchas veces parecen estar construidos a partir de objetos aleatorios y partes de seres humanos o animales. Muchos de sus personajes con aspecto de monstruos posan como superhéroes frente a edificios fotorrealistas, paredes, balcones y otros escenarios, dando lugar a imágenes ambiguas que transitan entre la realidad y el mundo virtual. Mediante el hábil uso de la luz y el sombreado, Takagi crea obras que parecen fotografías de estas criaturas imaginadas en el mundo real, evocando viejas fotos de Nessie y Pie Grande. En esta pintura, retrata a un curioso personaje como si fuera capturado en el flash de una fotografía nocturna.
Mariko Enomoto
Azul, 2021
Acrílica sobre lienzo
Mariko Enomoto (n. 1982), artista residente en Tokio, estudió moda y ahora crea portadas de revistas y discos, así como otros productos comerciales. Como pintora, es autodidacta y tuvo la influencia de su bisabuelo, un artista del Nihonga, la pintura de estilo tradicional japonés. Su estilo refleja el hecho de haber crecido rodeada por el arte y la naturaleza, y muchas de sus figuras mezclan elementos humanos y naturales, como los animales y las plantas. Aquí, las orquídeas azules crecen en los ojos de una joven mientras una abeja emerge de su boca, una imagen a la vez elegante y surrealista.
Masanori Ushiki
El nuevo joven, 2019
Impresióm giclée y serigrafía sobre lienzo
Masanori Ushiki (n. 1981) ha trabajado en diversos campos artísticos, desde la papelería y el diseño web, hasta la ilustración para clientes como Beams, Nintendo, Converse, Red Bull, Le Monde y Park Hotel Tokyo. En la actualidad es un artista e ilustrador independiente conocido por sus personajes coloridos y grandiosos, a menudo de buen humor, inspirados en la cultura pop japonesa, el anime, el manga y la ciencia ficción de los años 80 y 90. Con sus grupos de chicas a la moda y extraterrestres cómicos, Ushiki pretende crear personajes atrevidos y auténticos que den a los espectadores esperanza para el futuro.
Masaru Shichinohe
Jugando a las muñecas, 2021
Óleo sobre lienzo
Masaru Shichinohe (n. 1959) se graduó en arquitectura en la Universidad de Arte de Musashino, en Tokio, pero poco después comenzó su carrera como pintor profesional. Es un artista que pone en práctica su característica autodidacta, y se ha dedicado a capturar la nostalgia por las alegrías efímeras de la infancia, retratando a niños y niñas en ambientes oscuros, muchas veces surrealistas. Sus obras están cargadas de simbolismo y silencio que suscitan muchos interrogantes. Aquí, la imagen parece ser la de una muchacha sentada con una muñeca en brazos. Sin embargo, más cerca, la escena se revela como algo onírico y misterioso.
Mayu Yukishita
Sin título, 2020
Tinta al óleo y acrílica sobre lienzo
Mayu Yukishita (n. 1995) estudió diseño gráfico en la Universidad de Arte de Tama. Ha trabajado como ilustradora de anuncios comerciales, carátulas de discos y portadas de libros, y recientemente ha fundado su propia marca de moda: Esth. Como artista, trabaja con un estilo fotorrealista, creando pinturas al óleo y acrílicas, así como digitales. En algunos trabajos también incorpora elementos del estilo manga; en sus retratos, por ejemplo, aumenta ligeramente el tamaño de los ojos. Las imágenes, principalmente de mujeres jóvenes que miran con osadía al espectador, tienen un aspecto sombrío y temperamental y un toque emocional, que hacen que sus obras sobrepasen el realismo.
Mayu Yukishita
Sin título, 2020
Tinta al óleo y acrílica sobre lienzo
Mayu Yukishita (n. 1995) estudió diseño gráfico en la Universidad de Arte de Tama. Ha trabajado como ilustradora de anuncios comerciales, carátulas de discos y portadas de libros, y recientemente ha fundado su propia marca de moda: Esth. Como artista, trabaja con un estilo fotorrealista, creando pinturas al óleo y acrílicas, así como digitales. En algunos trabajos también incorpora elementos del estilo manga; en sus retratos, por ejemplo, aumenta ligeramente el tamaño de los ojos. Las imágenes, principalmente de mujeres jóvenes que miran con osadía al espectador, tienen un aspecto sombrío y temperamental y un toque emocional, que hacen que sus obras sobrepasen el realismo.
Mayumi Tsuzuki
Retrato de familia, 2021
Risografía en papel
En este grabado, Mayumi Tsuzuki (n. 1966) representa a una familia japonesa que posa para un retrato del momento, con la esposa vestida con un kimono de flores y el marido y sus hijos con ropa occidental. Aunque la familia está representada con colores vivos, el ambiente de la imagen es sombrío, dadas las expresiones faciales distantes e incómodas de los sujetos y la pesada sombra que los rodea. Tsuzuki, que estudió arte en la Universidad de Arte de Musashino, en Tokio, aborda a menudo esta ambigüedad en su obra. Normalmente, sus imágenes de la vida cotidiana, inspiradas en el puntillismo, son brillantes, coloridas, sombrías e inquietantes al mismo tiempo, reflejando la complejidad de nuestras vidas emocionales.
(Observación: Risograph es una marca japonesa de duplicadoras digitales diseñadas principalmente para el fotocopiado y la impresión de grandes volúmenes).
Megumi Yoshizane
Castillo de Bitchu – Matsuyama, 2021
Óleo sobre lienzo
Megumi Yoshizane (n. 1970) estudió arte en una escuela pública y en la universidad. En sus pinturas se esfuerza por captar los numerosos momentos que conforman nuestro mundo y nuestras vidas. Yoshizane pinta escenas que le fascinan, como esta imagen de dos visitantes explorando las ruinas de un castillo. Ella contempla la escena mientras la pinta, esperando que su obra represente la energía del momento, que puede ser acogedor y tranquilo o solitario y ansioso. El objetivo de Yoshizane es expresar esta energía de forma sincera, destacando el equilibrio entre luces y sombras.
Mica Suga
Jugando a hacer de cuenta, 2021
Acrílico sobre lienzo
Mica Suga, originaria de la provincia de Oita, estudió ilustración de moda y grabado en láminas de cobre en un estudio de xilografía. Como ilustradora, crea pinturas y grabados en papel, combinando a veces técnicas de collage realizadas con trozos de papel fino que recoge y reutiliza. En muchas de sus obras aparecen mujeres serias que parecen inquietas, como si miraran el mundo con recelo o distanciamiento emocional. Tanto sus personajes como sus escenas son típicamente peculiares o absurdos, como esta imagen en la que los personajes fingen ser zorros mientras abrazan a zorros de verdad. Suga ha participado en varias exposiciones colectivas e individuales en Japón.
Motohiro Hayakawa
Batallas del Planeta X, 2021
Acrílica y pluma sobre lienzo
Motohiro Hayakawa, nació en la provincia de Yamaguchi en 1974, estudió en la Escuela Superior de Arte de Yamaguchi y comenzó a trabajar en la ilustración y el cómic. Sus ilustraciones están fuertemente influenciadas por las aventuras de ciencia ficción y los dibujos animados de su infancia a principios de la década de 1980, así como por los cómics americanos y el punk rock. En sus muy imaginativas pinturas, Hayakawa mezcla diferentes texturas, medios de comunicación y técnicas para crear un mundo habitado por plantas gigantes con ojos, guerreros del pasado, antiguos héroes de ciencia ficción, alienígenas, robots y monstruos estrafalarios. En muchas de sus obras, estos personajes participan en escenas de batalla de estilo cómico ambientadas en paisajes psicodélicos y oníricos.
Norishige Sasabe
Gafas desconocidas, 2021
Pastel y lápices de colores sobre papel
Norishige Sasabe (n. 1973) es conocido por sus imágenes nostálgicas de la cultura y las costumbres tradicionales. Sin embargo, en 2020 comenzó a crear imágenes que abordan el presente y el futuro próximo y temas como el cambio climático, la inteligencia artificial, la clonación, la biotecnología y el espacio virtual. Sus nuevas obras, que presentan gradaciones de color (realizadas con pasteles) y borrado, utilizan una paleta más oscura con tonos más profundos, ilustrando escenas y sucesos contemporáneos a través de su propio filtro personal. Aquí, la silueta de un personaje destaca en un hermoso paisaje natural, visto a través de sus gafas de realidad virtual.
Rina Yoshioka
Pollo a la mantequilla en éxtasis, 2016
Acrílico sobre cartón Kento
La ilustradora Rina Yoshioka (n. 1977) se graduó en arte en la Universidad de Arte Tama de Tokio. Está inspirada en el tono y la estética de la era Showa de Japón (1926-1989), especialmente en los pósteres y portadas de revistas y discos dibujados a mano de la época. Más que nostálgica, se inspira en la sangre, el sudor y las lágrimas que formaron parte de la creación del arte de aquella época. En esta pintura, imitación de un póster comercial, ella presenta a una mujer japonesa con kimono y aparentemente deleitándose con un plato de “Pollo a la mantequilla en éxtasis”. El curry de pollo a la mantequilla es un plato hindú que se creó a mediados del siglo XX, pero que no se popularizó en Japón hasta la década de 1990. Como fan del curry, Yoshioka ideó un divertido anuncio de la era Showa para este plato.
Ryoji Arai
Teatro nevado, 2021
Acrílica y lápiz sobre lienzo
Nacido en la provincia de Yamagata, en el norte de Japón, Ryoji Arai (n. 1956) es un ilustrador residente en Tokio, y también ha trabajado en publicidad y en la escenografía de obras de teatro. Se ha ganado el reconocimiento mundial por su amplia gama de libros ilustrados –que van desde pequeños libros infantiles hasta historias absurdas, cuentos de hadas y poesía– que presentan estilo singular y lúdico. En 2005, fue el primer autor japonés que ganó el premio Astrid Lindgren Memorial de literatura infantil, por su “estilo audaz y provocador” y su sentido “musical” del color. En esta pintura dinámica, un misterioso ser vestido de blanco se encuentra en un pequeño y colorido escenario, con las alas desplegadas y ya listo para una gran actuación.
Sasaku Kusuriyubi
Almuerzo, 2020
Impresión digital sobre lienzo
Sasaku Kusuriyubi es una pintora que vive en la provincia de Wakayama. La inspiración de sus peculiares personajes proviene de su infancia en el campo, donde observaba que los insectos, los peces y los animales que la rodeaban parecían habitar un mundo de vida y muerte sin ser conscientes los unos de los otros como individuos. Para ella, estas actividades inconscientes se convirtieron en un símbolo de libertad e igualdad, a la vez que consolidaron su propia existencia singular. En su arte, la autora expresa esa libertad a través de la caracterización, creando personajes que remiten a los yōkai, los “seres sobrenaturales” y los monstruos de las creencias japonesas. Aquí, una chica con cabello de tentáculos mágicos almuerza junto con sus cómicas mascotas.
Shiriagari Kotobuki
Dog & Bone [Perro y hueso], 2006
4'28”
Planificación y dirección - Shiriagari Kotobuki
Animación - Selva Toba
Presentación - Junko Nakazato
Apoyo - Akane Taneda, Chiemi Kusano, Yuri Shimura, Yōhei Iketani, Takashi Kondō, Yasutoshi Kou, Akiyama Mimiko, Tomomi Kikawada
Planificación y producción - Image Forum
Producción - Saruyama Hagenosuke Co. Limitado.
©2006 Shiriagari Kotobuki
Saruyama Hagenosuke Co. Limitado.
Shiriagari Kotobuki
Una breve pausa, 2021
Barniz acrílico sobre panel de madera, parcialmente chamuscado y recubierto de epoxi
Shiriagari Kotobuki (n. 1958) es un artista de manga de Shizuoka. Después de graduarse en la Universidad de Arte de Tama, en Tokio, comenzó a trabajar en publicidad, carrera que ejerció hasta 1994. En 1985 empezó a crear mangas, y 10 años después lanzó una historieta de este género, llamada Ereki na Haru [Primavera Eléctrica]. Desde 1998, ha producido mangas de humor ácido para revistas populares como Beam y AX, y diversos periódicos. Su propósito es crear una obra libre e inconclusa, pero que siga agradando a sus lectores y esté cargada de humor. Kotobuki imparte clases en el Departamento de Manga de la Universidad de Diseño de Kobe.
Suzy Amakane
La morsa del estante, 1984
Acrílica sobre lienzo y madera
Al artista de Tokio Suzy Amakane (n. en 1956) le ha gustado el manga desde su infancia. A sus 20 años, una exposición del artista británico David Hockney lo inspiró a convertirse en pintor. Amakane estudió en la Universidad de Arte de Tama y pasó a trabajar en bellas artes y arte comercial, fusionando su amor por el manga y el pop art en su propio estilo lúdico y colorido. En muchas de sus imágenes aparecen jóvenes traviesos, juegos de palabras visuales y alusiones a la cultura pop. Sus obras han figurado en revistas, en la televisión, en portadas de álbumes musicales y en muchas exposiciones."
Tadanobu Asano
Sin título, 2021
Acrílica sobre papel
El actor, músico y artista plástico Tadanobu Asano (n. 1973) creció en una familia creativa y comenzó a tomar clases de arte después de la escuela, cuando estaba en el jardín de infancia. Como artista, le gusta captar a la gente realizando diversas actividades. Se fotografía a sí mismo trabajando, sentado y en movimiento, y luego utiliza las imágenes como punto de partida para sus cuadros. En esta serie de cuatro pequeñas obras en pintura acrílica, las figuras se sitúan en un espacio plano y vacío, como en muchos cuadros y grabados tradicionales japoneses. Sin embargo, al destacar las sombras de las figuras y los pliegues de sus ropas, el artista consigue crear forma y movimiento en el espacio.
Takeo Chikatsu
El zapato de Chen, 2011
Acrílica sobre madera
Takeo Chikatsu (n. 1963), trabajó para varios estudios de diseño antes de convertirse en ilustrador y diseñador independiente en 1998. Es más conocido por sus pinturas acrílicas hiperrealistas de objetos comunes como botellas, comida, flores y lápices, en las que explora el tiempo, la superficie y lo que hay detrás de ellos. En 2006, comenzó su serie Zapatos: retratos de zapatos pertenecientes a personas en su vida. Cada zapato indica el carácter de quien lo calza, como “La sandalia geta de mi padre”, “Director Cansado del Estudio de Diseño” y “Chen”: una estudiante china muy tímida y tranquila que viajó a Francia para estudiar con su querido novio."
Taro Uryu
Traje de grulla, 2021
Impresión giclée en papel
Taro Uryu (n. 1980) es un ilustrador residente en Tokio que ha creado un estilo de expresión gráfica muy reconocible para grandes almacenes, marcas de ropa y portadas de libros y revistas. Las figuras femeninas de Uryu son sencillas y a menudo geométricas, con largas extremidades, pequeñas bocas redondas y grandes ojos azules, que según el artista representan el mar y el cielo. Muchas de sus mujeres visten prendas inspiradas en las formas y colores de objetos, pájaros y animales, como los gatos de calicó (tricolores) y las grullas de cresta roja, como en esta imagen. Él elimina las expresiones faciales de los personajes, dándoles la serenidad y majestuosidad de una imagen de Buda que trasciende la alegría, la tristeza y otras emociones.
Teruhiko Yumura
Sin título (Don George), 2021
Impresión giclée en papel
El artista Teruhiko Yumura (n. 1942) vive en Tokio y es un ilustrador, diseñador, creador de manga y también crítico musical. Se graduó en el Departamento de Diseño Gráfico de la Universidad de Arte de Tama. Fue uno de los pioneros de la estética heta-uma (“mal dibujado, pero bien concebido”) de la ilustración japonesa, en la que los artistas crean imágenes que parecen intencionadamente mal dibujadas. En las décadas de 1970 y 1980, Yumura creó portadas para la revista Garo, especializada en mangas alternativos y de vanguardia. Influido por los cómics japoneses y estadounidenses, colaboró en varias historietas japonesas y en las revistas estadounidenses Wet y Raw. Utiliza varios seudónimos, entre ésto, Terry Johnson (como en las obras de esta exposición), y frecuentemente le dicen “King Terry” (Rey Terry).
Toru Kageyama
Sharaku, 2013
Acrílica y gouache sobre madera contrachapada
Toru Kageyama (n. 1958) es un artista e ilustrador de la provincia de Aomori, conocido por la gran cantidad de portadas de libros que ha diseñado. Sus obras reúnen diversas influencias, como el realismo, el estilo manga y anime y los paisajes europeos y chinos. En esta pintura, que lleva el nombre del misterioso artista Sharaku, conocido por crear una serie de grabados de actores de teatro kabuki a finales del siglo XIX, es evidente la influencia de la tradición xilográfica ukiyo-e de Japón. La imagen central es el interior de un teatro kabuki, con los actores en el escenario distante y un gran personaje de uno de los grabados de Sharaku a la izquierda.
Yoko Kawamoto
Sin título, 2011
Óleo sobre lienzo
Procedente de la provincia de Oita, Yoko Kawamoto (n. en 1967) es una artista autodidacta que trabaja principalmente con óleo sobre lienzo en un estilo fotorrealista. La artista se centra en escenas cotidianas e imágenes subrepresentadas, que normalmente pasan desapercibidas o no se pintan, como los museos, los depósitos de chatarra, las calles suburbanas iluminadas por el sol y el tráfico urbano. Al retratar estas escenas mundanas con una minuciosa atención en los detalles, la forma y la iluminación, la artista las eleva a algo fascinante e importante. Aquí, la vista de una montaña de arena (extraída del mar), con trapos y neumáticos esparcidos en primer plano, se convierte en un paisaje misterioso e intrigante, digno de nuestra atención.
Yu Nagaba
Mona Lisa, 2019
Acrílica sobre lienzo
Yu Nagaba (n. 1976) es un ilustrador que vive en Tokio. Estudió en la Universidad Zokei de Tokio, pero aprendió arte “en todas partes”. Prefiere los dibujos de líneas sencillas a los colores y los detalles, por lo que da prioridad a la calidad sobre la cantidad. Crea trabajos para publicidad y libros, colabora con marcas de ropa y ha realizado exposiciones individuales en Japón y en el extranjero. En 2014 desarrolló su actual estilo artístico de dibujos lineales con tinta negra sobre fondo blanco. Realizó una serie de dibujos en un bloc de notas del Ace Hotel de Nueva York (donde se alojó en 2013) y creó trabajos similares sobre lienzo, ampliando los dibujos del bloc original."
Yuichi Yokoyama
La sala del mapamundi, 2012
Impresión digital en banner de lona
Nacido en la provincia de Miyazaki, Yuichi Yokoyama (n. 1967) estudió pintura al óleo en la Universidad de Artes de Musashino, pero ha adoptado el manga como su modo de expresión favorito. En lo que describe como “tiempo de dibujo”, Yokoyama pretende crear una sensación de tiempo y espacio utilizando recursos propios del manga. En lugar de diálogos, utiliza frases onomatopéyicas como “do do do do” y “waaa”. Los personajes se mueven con libertad y velocidad, en composiciones muy rítmicas y a menudo geométricas. Yokoyama llama a su estilo neomangá, un nuevo manga que puede traspasar los límites de un medio bidimensional para representar el tiempo y el espacio.
Yuji Moriguchi
A-Un, 2016
Acrílica y yeso sobre lienzo
(Cortesía de la Galería Tsubaki)
En las detalladas pinturas de Yuji Moriguchi (n. 1971), las jóvenes misteriosas y cautivadoras son las protagonistas. Influidas por los grabados ukiyo-e del periodo Edo (1603-1868), las imágenes de la era Showa (1926-1989), la fantasía, el terror y el erotismo, sus obras evocan un sentimiento de nostalgia por la cultura tradicional japonesa. En este par de pinturas, dos colegialas están sentadas sobre estatuas komainu, las figuras de perros-león que custodian los templos budistas japoneses. El título A-Un es la versión japonesa del símbolo espiritual sagrado hindú “Om”. La boca de un león se abre, diciendo “A” (representando el principio de todas las cosas), mientras que la boca del otro está cerrada, diciendo “Un” (representando el final).
Yusuke Hanai
Triste pero no derrotado, 2020
Serigrafía en papel
El trabajo de Yusuke Hanai (n. 1978) abarca desde la creación de páginas web hasta colaboraciones con marcas de ropa, como la japonesa Beams y la estadounidense Vans, e ilustraciones para revistas de surf. Considerado un artista de la contracultura, Hanai se sintió durante mucho tiempo atraído por la cultura beatnik y hippie de San Francisco (California), donde vivió y estudió arte durante varios años. Sus ilustraciones suelen representar a personas comunes y a veces un poco alienadas y que hacen todo lo posible para enfrentarse a sus propias circunstancias, motivándose mutuamente y encontrando su camino. La obra Triste pero no derrotado, que se reprodujo como pintura, grabado y como estatuilla de edición limitada, encarna la resistencia visible en gran parte de la obra de Hanai.
Yusuke Saitoh
Chack y la chica, 2019
Impresión giclée sobre lienzo
Yusuke Saitoh (n. 1978) es un ilustrador de Kanagawa. Graduado en el Instituto de Diseño Vantan de Tokio, produce cuadros y animaciones digitales realistas, muchas de las cuales han aparecido en la industria musical, cinematográfica, de la moda, publicitaria y editorial, tanto a nivel internacional como en Japón. Además de dibujar personajes para estas áreas creativas, también realiza trabajos que expresan las dificultades a las que se ha enfrentado personalmente como artista. Su proceso le permite explorar las distintas posibilidades del arte, así como descubrir su propio potencial.
Yutaka Hirai
Blanco y negro, 2021
Acrílica y técnica mixta sobre lienzo
Yutaka Hirai (n. 1976) es un artista autodidacta que vive en Kamakura y que trabaja principalmente con pintura acrílica. Gran parte de su arte es figurativo y a veces se acerca a lo surreal, con curiosas yuxtaposiciones de patrones y escenarios en una rica paleta de colores. A través de sus cuadros, suele tratar de transmitir conflictos personales y desafíos emocionales. En esta obra, sin embargo, ha renunciado a los colores y a las figuras y ha optado por una abstracción monótona más expresiva que representativa, mezclando tonos opuestos para que armonicen en una composición vibrante casi musical.
oki-chu.
Perro espacial, 2021
Acrílica sobre papel
oki-chu. (n. en 1979) trabaja con un estilo artístico conocido como automatismo, en el que el subconsciente guía el proceso creativo. Empieza a lápiz, dibujando líneas automáticamente, y luego resalta con un bolígrafo las formas y patrones que encuentra en la obra. En la universidad, conoció el cómic francés y la obra del artista holandés M. C. Escher, pero sus principales influencias son el manga, el anime, los videojuegos de su juventud y los artistas que conoce a través de la galería mograg, que administra en Tokio con su mujer, Motoko Ohta.
tupera tupera
Balneario Panda, 2021
Impresión digital en lienzo(Original: lápiz y bolígrafo sobre papel, 2013)
El dúo artístico tupera tupera ha creado algunos de los libros infantiles más populares de Japón, incluyendo la publicación Shirokuma no pantsu (Ropa interior de oso polar), que ganó el premio Prix du Livre Jeunesse Marseille de 2014. La pareja Tatsuya Kameyama (1976) y Atsuko Nakagawa (1978), ambos residentes en Tokio, estudiaron respectivamente pintura al óleo en la Universidad de Arte de Musashino y tinte textil en la Universidad de Arte de Tama. Sus coloridas y extravagantes ilustraciones nacen del enfoque lúdico de su trabajo. Esta pintura es la imagen de portada del libro infantil Panda Sentō (Balneario panda), que sigue a una familia de pandas que visita un balneario tradicional japonés.
Yuji Moriguchi
大団円 (Daidan’en/La Final), 2021
Impresión digital en tela adhesiva
(Original: acrílica y yeso sobre lienzo, 2017)
Estilos que influyen en las artes gráficas japonesas contemporáneas
WAVE presenta artistas veteranos y recién llegados que trabajan en una variedad de estilos. Algunos de los más influyentes son:
Manga/Anime
La ilustración de los cómics japoneses, conocida como manga, tiene profundas raíces en los pergaminos pintados del siglo XII, los libros y grabados xilográficos premodernos y las revistas de principios del siglo XX. Después de la Segunda Guerra Mundial, bajo la influencia de los cómics y dibujos animados estadounidenses, se desarrolló un estilo moderno de manga con convenciones visuales que todavía están presentes en los cómics y dibujos animados japoneses, los anime. El popular estilo del manga/anime se caracteriza por sus trazos fuertes, globos de diálogo expresivos, encuadres singulares y efectos de fondo abstractos que transmiten la atmósfera del momento. Los personajes adquieren ojos grandes, bocas pequeñas y detalles emotivos como gotas de sudor para mostrar ansiedad, venas abultadas para mostrar ira y líneas paralelas pronunciadas para mostrar horror o repulsión. En esta exposición, algunos de los artistas que trabajan con este estilo son Kenichiro Mizuno, Katsuya Terada y Motohiro Hayakawa.
Heta-uma
En la década de 1970, comenzó un movimiento de manga underground con la revista Garo, en la que los artistas creaban ilustraciones que intencionadamente parecían mal dibujadas, en comparación con la estética elegante del manga popular. Conocido como heta-uma ("mal dibujado, pero bien concebido"), el estilo fue liderado y promovido por Teruhiko Yumura, Yoshikazu Ebisu y Takashi Nemoto. Este estilo validó el trabajo de muchos de los jóvenes artistas gráficos y de manga contemporáneos, cuyas obras parecen poco pulidas pero son muy expresivas desde el punto de vista emocional. En esta exposición, la artista Suzy Amakane se unió al espíritu del heta-uma, a pesar de tener un estilo altamente refinado.
Pop Art
El movimiento pop art, que surgió en la década de 1950 en Estados Unidos y el Reino Unido, llegó a Japón poco tiempo después. La capacidad de Andy Warhol de unir el mundo del arte comercial con las bellas artes inspiró a Keiichi Tanaami, cuyas atrevidas y dinámicas creaciones están cargadas de figuras oníricas, temas populares y personajes poderosos. En la misma línea, las fantásticas escenas de batalla de Motohiro Hayakawa evocan el pop art psicodélico de los años 60 y 70. Las brillantes imágenes de Harumi Yamaguchi de mujeres fuertes y libres adornaron las campañas publicitarias japonesas de las décadas de 1970 y 1980, mientras que las vívidas escenas junto a la piscina de Hiroshi Nagai se convirtieron en imágenes icónicas expuestas en las portadas de los discos en la década de 1980.
Fotorrealismo
El movimiento del fotorrealismo se desarrolló en Estados Unidos en las décadas de 1960 y 1970 a partir del pop art, especialmente como respuesta al expresionismo abstracto y a la profusión de la fotografía. También inspiró a artistas japoneses, como Hajime Sorayama, quien retrató robots femeninos y dinosaurios mecánicos con luminosos detalles, y Yoko Kawamoto, que convierte los montones de chatarra y las canteras en paisajes hiperrealistas. Recientemente, Mayu Yukishita ha recreado una realidad más sombría con sus pinturas "superrealistas".
La tradición del arte gráfico japonés
A pesar de que los trazos utilizados en las artes gráficas e ilustraciones japonesas son audaces y vibrantes, los límites entre el arte y la ilustración –y entre el artista y el ilustrador– son tradicionalmente difusos. El artista más conocido de Japón, Katsushika Hokusai (1760-1849), fue grabador e ilustrador de libros populares impresos en xilografía, además de ser un pintor muy reconocido. No sólo creó la mundialmente conocida xilografía La gran ola de Kanagawa e ilustró novelas populares, sino que también pintó lujosas obras que se exhibían en las casas de la gente acomodada.
En tiempos más recientes, los artistas gráficos e ilustradores de Japón también transitaron por diversos campos artísticos. Después de la Segunda Guerra Mundial, y especialmente en las décadas de 1960 y 1970, la ilustración se convirtió en una profesión en Japón, con numerosos artistas que producían manga (cómics), anime (películas y programas de televisión animados) y trabajaban en el diseño gráfico. En la década de 1980 y principios de la siguiente, cuando Japón experimentó un intenso crecimiento económico, muchos de los principales artistas gráficos del país prosperaron en los campos de la ilustración de libros y la publicidad, y algunos de ellos también empezaron a presentar sus obras en exposiciones de arte. Inspirados por fuentes tan diversas como el movimiento de pop art occidental, el fotorrealismo y las propias xilografías populares y el arte folclórico de Japón, estos artistas desarrollaron un rico vocabulario estilístico y adquirieron una creciente fama internacional. La tecnología digital y las imágenes generadas por ordenador han ofrecido nuevas posibilidades creativas en las últimas décadas. Sin embargo, a partir de 2010, muchos artistas han vuelto a las formas de expresión analógicas, generando una nueva ola de inspiración e innovación, como se puede ver en esta exposición.
Con la proliferación de galerías de arte contemporáneo en Japón, los ilustradores suelen exponer sus obras junto a los llamados “artistas de bellas artes”. Curiosamente, no hay términos en japonés equivalentes para las palabras “ilustrador” y “artista gráfico”, sólo transliteraciones de los términos en inglés. Puesto que muchos artistas japoneses que trabajan en la ilustración habitan espacios artísticos diversos y fluidos, estos prefieren no limitar su identidad artística a estas etiquetas. Ellos simplemente se llaman a sí mismos sakka (作家), que significa “artista” en japonés.